Historia del Arte

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Los contenidos epigráficos y simbólicos de los umbrales en las arquitecturas andalusí y mudéjar (siglos IX-XVI)
(2026-05-28) Ruiz Ortega, Verónica; Puerta Vílchez, José Miguel; Rodríguez Estévez, Juan Clemente; Historia del Arte
La presente tesis doctoral abarca el estudio de los epígrafes en lengua árabe o latín que se despliegan en un conjunto de puertas andalusíes y mudéjares en el ámbito de la arquitectura palaciega y religiosa, fechados entre el primer tercio del siglo IX y la década de los años treinta del siglo XVI; sin dejar de lado las muestras preservadas en las sinagogas. Para ello hemos centrando nuestra atención en un repertorio de objetos cuidadosamente seleccionados en los que se desarrollan las inscripciones con el fin de crear un corpus que nos permitiera abordar el contenido y significado de éstas tanto conjuntamente como de forma particular, prestando especial atención al carácter ornamental y figurado de los textos, los cuales han sido sometidos en su mayoría a un proceso de traducción y transliteración. Asimismo, hemos abordado aspectos primordiales como su naturaleza, su morfología y el contexto laboral en el que se crearon los propios objetos. En este sentido, el propósito de dicho trabajo es reinterpretar con nuevas claves la arquitectura de la época prestando especial atención a la función tan relevante que desempeña la palabra escrita en el arte islámico y mudéjar por cuanto contiene un gran valor estético y simbólico, pues se manifiesta de una manera amplia y heterogénea en el contexto en el que se sitúa. A tenor de lo expresado, decidimos trazar con toda la información recabada una línea evolutiva en la que se contempla el desarrollo cronológico de la epigrafía en la arquitectura sometiéndola a un estudio crítico y un riguroso proceso de interpretación. Por otra parte, teniendo en cuenta la diversidad de intereses reunidos en nuestro trabajo, éste ha sido abordado desde un enfoque interdisciplinar que acoge la historia del arte, la epigrafía y la filología árabe. Hecho que nos ha permitido conocer en toda su dimensión la epigrafía islámica y mudéjar, favoreciendo de esta manera, aunque sea modestamente, su conservación y puesta en valor. De acuerdo con lo dicho, con esta investigación pretendemos ofrecer una visión profunda de los testimonios seleccionados de ambas tradiciones, la islámica y la cristiana, con la traducción, el análisis y la interpretación de los textos, así como su expresión artística.
Urbanismo en Jerez de la Frontera bajo el poder de los primeros Habsburgo (1516-1598)
(2026-05-08) Caramazana Malia, David; Albardonedo Freire, Antonio José; Recio Mir, Álvaro; Romero Medina, Raúl; Historia del Arte
El principal objetivo de esta tesis doctoral es ofrecer una aproximación global al urbanismo jerezano del siglo XVI y plantear si existió por parte de la Corona hispánica la voluntad de instaurar en sus ciudades de realengo el «ideal urbano del Renacimiento». La investigación se fundamenta en la consulta de los fondos del Archivo Municipal de Jerez de la Frontera y de otros archivos estatales, y en el estudio crítico de la bibliografía sobre urbanismo medieval y moderno. La metodología conjuga esa realidad documental e historiográfica con el análisis formal de los fragmentos urbanos quinientistas conservados en la ciudad y su comparación con proyectos realizados o planificados en otras urbes de la época. En lo que respecta al apartado visual, se incorporan imágenes contemporáneas a la etapa elegida y los proyectos de alineaciones de los siglos XVIII, XIX y XX, todo ello con el fin de facilitar la comprensión del modelo urbano jerezano y la aproximación a sus orígenes en la etapa de nuestro estudio. Asimismo, se dialoga con fragmentos de literatura, tanto española como internacional, con el propósito de subrayar la mentalidad del período y las intenciones de los promotores en sus intervenciones. Con el propósito de comprender esta transformación, en el primer capítulo se establece el marco teórico que sirve de hilo conductor para articular las cuatro partes en las que se organiza la tesis: II) «De Medina a Ciudad». La estructura medieval, III) «Ciudad ideal» proyectos bajo los Habsburgo, IV) «Resistencia y negociación». La Iglesia y el pueblo y V) «Itinerarios urbanos y celebraciones públicas». El trabajo concluye con un epílogo en que se examina críticamente el concepto de «ciudad del Renacimiento» y se valora su grado de implantación en este estudio de caso.
Los palomino, una histórica familia de plateros sevillanos (1674-1901)
(2026-04-30) Lazpiur Santos, Fermín; Santos Márquez, Antonio Joaquín; Historia del Arte
Tras una exhaustiva investigación, en la presente tesis doctoral daremos a conocer de manera profunda a la familia de plateros Palomino, quienes trabajaron el arte de la platería en Sevilla entre los años 1674 y 1901. Para ello esclareceremos su árbol genealógico y desglosaremos toda la información biográfica recopilada acerca de sus cuarenta y tres miembros, además de estudiar, analizar y adjudicar los punzones y obras artísticas que se han conservado. En una serie de capítulos iniciales se analizará el ambiente histórico y artístico de la platería sevillana durante todo ese periodo, su árbol genealógico y la evolución estética proyectada en la producción de los Palomino. No obstante, el grueso de esta investigación se halla en la segunda parte, donde se desgrana la vida y la obra de todos sus miembros. De una manera pormenorizada y basándonos en fuentes primarias y secundarias abordaremos la biografía de los plateros que conforman la saga, deteniéndonos en sus punzones si los tuvieren y en el análisis de su producción artística. Finalmente, para completar la investigación expondremos un inventario de todas las obras que hemos recopilado de todos estos plateros, los documentos principales y representativos de la investigación, así como las fuentes y la bibliografía y webgrafía consultada y de referencia.
La zarzuela en Sevilla (1849-1930)
(2026-02-02) Vallés Chordá, Andrés; Rojas-Marcos González, Jesús; Historia del Arte
La zarzuela es el género lírico español. Se trata de la ópera surgida en España, como en Italia lo hace la ópera bufa, en Francia se denomina ópera cómica y Alemania tiene su "Singspiel". Estos tres países desarrollan al mismo tiempo su ópera grande en tres y cuatro actos. La zarzuela en España envuelve el género cómico y la zarzuela grande. Hasta mediados del siglo XIX, en Sevilla domina la ópera italiana en sus teatros, y en menor medida la francesa. Pero se produce un hecho sin precedente en el ámbito sociocultural, y es el triunfo en muy pocos años del teatro lírico español, es decir, la zarzuela. Es tan rápido este cambio que existen discrepancias para asimilar este éxito de la zarzuela. Tanto en la prensa como entre los intelectuales no se es consciente de estar ante la anhelada ópera nacional y, en el mejor de los casos, se produce un proceso para alcanzarla a través de la zarzuela. La notoriedad de la zarzuela en Sevilla es inmediata. En el Teatro San Fernando se ofrece el 3 de noviembre de 1849 la obra “El tío Caniyitas”, música de Soriano Fuertes y libreto del gaditano Sanz Pérez. En el mismo año 1849, en Madrid se estrena otra zarzuela, “Colegialas y soldados”, música de Rafael Hernando y libreto de Mariano Pina. Esta zarzuela despierta el mismo efecto que "El tío Caniyitas" en Sevilla, y es el interés por la ópera cómica española. Durante la temporada 1853-1854, en los dos principales teatros sevillanos, el Principal y el San Fernando, se establecen compañías de zarzuela junto a las de ópera italiana. A finales de la década de los cincuenta y principios de los sesenta existen temporadas donde solo se representa zarzuela. No obstante, existe la dificultad para contratar artistas que representen adecuadamente la zarzuela. Se requiere ser un buen actor y cantante. El alternar diálogos hablados con números cantados tiene como consecuencia que no se encuentren profesionales con esta doble vertiente. Se crean escuelas e institutos de música como el de la Sociedad Filarmónica de Sevilla presidida por el conde del Águila. El Liceo Sevillano y la Academia de música de la Sociedad Económica de Amigos del País seguirán formando músicos y cantantes. La Revolución "La Gloriosa" en 1868, y su anhelo por conseguir mayores ámbitos de libertad, provoca que se construyan nuevos espacios escénicos y, con ello, la necesidad de producir músicos para sus teatros. Las orquestas se multiplican porque cada teatro tiene la suya. Se ofrecen conciertos de música instrumental tras la constitución de la Sociedad de Conciertos en 1871. A partir de 1880 emerge el teatro por horas y, como consecuencia, el género chico. El antecedente de esta zarzuela en un solo acto, y de duración inferior a una hora, se encuentra en los "bufos sevillanos" de 1867 con Francisco Arderius. Este actor había creado los "bufos madrileños" un año antes que en Sevilla, inspirado en los "bufos parisienses". El género chico mantiene el carácter cómico y, con su corta duración, se establece en los teatros una reducción de los precios que permite asistir al teatro a la clase social de menor poder adquisitivo. Títulos como "La verbena de la Paloma", "La Gran Vía" o "El dúo de la Africana" se convierten en verdaderos fenómenos sociales con más de doscientas representaciones. En los primeros años del siglo XX se irá produciendo una crisis en el género chico. Este declive termina con la aparición de nuevos géneros; el género ínfimo, la copla, la revista y la música de variedades. Pero todo no será decadencia porque, a imitación de lo que sucede en Viena, aparece el género de la opereta y, compositores como Amadeo Vives, Gerónimo Giménez o Manuel Penella dedican sus mejores páginas a este género musical con la idiosincrasia española. Llegan a Sevilla destacados músicos para dirigir en el día del estreno de sus obras. La zarzuela grande vuelve tras la crisis del género chico. Estos géneros zarzuelísticos conviven durante el primer tercio del siglo XX en los teatros de Sevilla.
Estudio histórico-técnico-artístico de escultores y esculturas en madera policromada de procedencia española en el arte virreinal quiteño entre 1534 y 1650
(2026-01-23) Bermeo Lema, Juan Carlos; González-López, María-José; Justo Estebaranz, Ángel; Pintura; Historia del Arte
Entre 1534 y 1650, Quito pasó de recibir un aparente reducido número de esculturas españolas a convertirse en un taller capaz de apropiarse, adaptar y reinterpretar los modelos peninsulares. Esta tesis explica este proceso a partir de un enfoque holístico y multidisciplinar, que emplea dos ejes complementarios: el análisis técnico de la materia y de las tecnologías de producción, y la revisión exhaustiva de fuentes primarias, como contratos de obra, testamentos y expedientes de licencias de paso. El cruce de ambos frentes permite definir una nómina de treinta artífices de la madera, en su mayoría hasta ahora inéditos, reconstruir sus trayectorias y situarlas en un mercado artístico sostenido por el comercio local, regional y ultramarino y por el patronazgo civil y eclesiástico, que proporcionó materias primas, clientela devocional y movilidad social. Asimismo, el estudio identifica la impronta de más de una decena de maestros españoles, como Juan Bautista?Vázquez?el?Viejo, Jerónimo Hernández, Diego?López?Bueno, Juan?Martínez?Montañés, Juan?de?Mesa, Gregorio?Fernández, entre otros, cuyas tipologías, modelados y gestos, desde los esquemas romanistas miguelangelescos hasta los estofados naturalistas sevillanos, se reconocen en Cristos, Vírgenes e Inmaculadas quiteñas de finales del siglo?XVI y la primera mitad del XVII, evidenciando la transferencia de modelos andaluces y castellanos. Sobre esta base documental se elabora el primer catálogo de sesenta y cuatro esculturas españolas ?o realizadas según sus modelos? conservadas en templos, conventos y museos quiteños. El examen técnico de veintiséis piezas revela patrones constructivos homogéneos, define puntualmente las especies de madera, determina tipologías de embones y ensambles, y clarifica la policromía del ornato textil y las carnaciones, afinando cronologías, verificando importaciones y corrigiendo atribuciones heredadas. Las fuentes sobre el tráfico artístico muestran que entre 1582 y 1622 arribaron por el puerto de Guayaquil o desde el interior por Nueva Granada cargamentos regulares de estampas, imágenes, albayalde, bol, cardenillo, tintes y textiles, lo que permitió a los talleres locales reproducir acabados españoles sin depender de esculturas terminadas. Hacia 1650 los oficiales quiteños dominaban ya estas recetas y generaban variantes propias que preludian el esplendor escultórico del siglo?XVIII. Al conjugar el estudio entre el foco del estilo, el conocimiento tecnológico y las redes sociales que sustentaron la producción, la tesis destaca la materia y la técnica como ejes para entender la introducción y circulación de modelos y la lógica del patrocinio. Concluye con un catálogo técnico especializado y un protocolo de estudio replicable que enriquecen la historiografía del arte virreinal, orientan la conservación restauración y contribuye a definir el alcance y las características de la influencia española en la escultura quiteña.
La tipología de qubba islámica como capilla funeraria mudéjar en las parroquias sevillanas: catálogo e historia de unos espacios de patronazgo nobiliario
(2025-12-02) Román López, Alejandro; Cruz Isidoro, Fernando; Historia del Arte
La presente tesis doctoral tiene como objeto de estudio las capillas anexas a las naves parroquiales sevillanas que, durante el periodo bajomedieval, se construyeron siguiendo la tipología arquitectónica estandarizada de qubba andalusí de planta cuadrada cubierta por bóveda sobre trompas de arista, dentro de la tendencia artística comúnmente conocida como “mudéjar”. A través de una metodología multidisciplinar, se profundiza en el conocimiento de estas microarquitecturas desde diversos enfoques. En primer lugar, tras una contextualización del horizonte fronterizo y transcultural de Andalucía occidental en la Baja Edad Media así como del desarrollo de la planta centrada y su funcionalidad y simbología en la arquitectura cristiana e islámica, definimos su tipología arquitectónica y nos acercamos al conocimiento sobre su origen, transferencias y desarrollo a través del estudio de diversos ejemplos en diferentes contextos geográficos y cronológicos: imperio almohade andalusí y norteafricano, Granada nazarí, sultanato meriní del Magreb, reino de Castilla bajomedieval, y Alentejo portugués. A continuación, nos centramos en los elementos arquitectónicos que definen a las capillas bajomedievales sevillanas. Para disipar dudas sobre la cronología de estas, así como de otras edificaciones, desarrollamos herramientas de la arqueología de la arquitectura tales como metrología y mensiocronología que permiten entender y aproximarnos al sistema métrico con el que fueron levantadas estas construcciones. La función funeraria de estos espacios es tratada a través de los vestigios físicos y documentales que se conservan, destacando la definición de la tipología de lauda sepulcral cerámica, autóctona de este contexto y que parece encontrar paralelos en las realidades coetáneas islámicas en Granada y el norte de África. De igual modo, nos centramos en los testamentos y capellanías como fuentes primarias importantes para conocer aquellas familias patronas y propietarias que usaban estas capillas como lugares de representatividad de su linaje, culto a sus almas y búsqueda de la vida eterna. Funciones y significados que actualmente han desaparecido, encontrándose estas capillas notablemente alteradas y modificadas en la mayoría de los casos. El colofón del trabajo es un catálogo de las capillas de tipología qubba de las parroquias sevillanas a través de una serie de fichas catalográficas individualizadas en las que se exponen sus elementos arquitectónicos, así como los datos sobre su historia -publicados y/o inéditos- y su evolución artística. En definitiva, se pone en valor a través de la investigación un reducto de la arquitectura sevillana, prácticamente sin avance historiográfico desde Diego Angulo, profundizando desde diversos enfoques con un carácter multidisciplinar. Por una parte, se ha presentado un catálogo histórico-artístico compilatorio que bien correspondería a una investigación tradicionalista. Sin embargo, por otra, se ha pretendido llegar a un entendimiento constructivo profundo por diferentes vías como la arqueología de la arquitectura, la cultura visual o los análisis formalistas comparados. Una tipología, al igual que el resto de la llamada arquitectura “mudéjar”, que denota la importancia de las transferencias bidireccionales y el ambiente transcultural de la Baja Edad Media entre el Magreb y el sur y la constante permeabilización en los contextos artísticos.
El círculo intelectual y la producción cultural en torno a Gonzalo Argote de Molina
(2025-11-20) Algarín González, Ignacio; Corzo Sánchez, Jorge Ramón; Méndez Rodríguez, Luis Rafael; Historia del Arte
El círculo intelectual y la producción cultural en torno a Argote de Molina es el título bajo el cual se analiza la relación entre artistas clave y sus obras en la sociedad sevillana del último tercio del s. XVI y en torno a la figura de Argote de Molina, aportando nuevos enfoques al estudio de la iconografía y sus implicaciones culturales; examinando las dinámicas del mecenazgo, las relaciones entre artistas e intelectuales e integrando fuentes textuales, gráficas y materiales en el estudio histórico-artístico en torno al humanista sevillano. Se estructura en cinco grandes partes: La primera es la producción visual pictórica de San Cristóbal & Santiago, donde se analiza la relación del humanista con las dos obras pictóricas de Mateo Pérez de Alesio; en primer lugar analizamos el mural de San Cristóbal de la Catedral de Sevilla, su iconografía, historiografía, fuentes y técnicas; en segundo lugar analizamos el cuadro La Batalla de Clavijo en la Iglesia de Santiago el Viejo, su iconografía historiografía, fuentes, técnicas y restauraciones. La segunda parte es la producción visual escultórica, donde revisamos la historiografía y la iconografía del Antecabildo de la Catedral sevillana, centrándonos en los tondos de Noé. La tercera parte es la producción literaria e impresa, donde investigamos las estampas de la edición príncipe del Libro de la Montería, así como sus fuentes y sus atribuciones. La cuarta es la producción científica, donde analizamos la pintura, la amalgama y la minería en el último tercio del s. XVI, con el caso particular del pintor Mateo Pérez de Alesio. La quinta aborda la sociedad y el mecenazgo de dicho periodo a través del análisis del peculiar contrato de mecenazgo entre Gonzalo Argote de Molina y Mateo Pérez de Alesio.
Los Ramos: una dinastía de escultores en la Sevilla del siglo XVIII
(2025-06-06) Gallardo Montesinos, Rafael; Roda Peña, José; Historia del Arte
La presente tesis doctoral pretende recuperar y poner en valor la trayectoria de una saga de escultores que desempeñó un papel fundamental en el desarrollo artístico, cultural y religioso de la ciudad de Sevilla durante el siglo XVIII, dejando una huella significativa en el arte de la época. Esta familia de artistas estuvo conformada por tres generaciones: Juan Isidoro Ramos, su hijo Cristóbal y el nieto del primero, Cesáreo. Dentro de este linaje, Cristóbal sobresalió particularmente por su versatilidad y habilidad en el uso del barro cocido en combinación con la aplicación de telas encoladas, dotando a sus imágenes de un exquisito y refinado modelado escultórico. Esta investigación se ha centrado, primeramente, en un exhaustivo trabajo archivístico, con la recopilación y transcripción completa de fuentes primarias. Una selección de estas se aporta en un anexo documental, como parte del corpus de esta tesis. Asimismo, se aborda el catálogo razonado de cada uno de los componentes de la familia Ramos, intentando caracterizar estilística y técnicamente su producción individual, a través del pormenorizado análisis de un extenso conjunto de obras escultóricas, tanto documentadas como atribuidas. Este estudio minucioso de tales imágenes no solo permite valorizar el legado artístico individual de cada uno de los referidos escultores, sino también comprender cómo contribuyeron con su impacto a la evolución del arte sevillano a lo largo del siglo XVIII.
La imaginería en madera policromada del Alto Barroco en Cádiz y su provincia (1637-1676)
(2025-07-15) Martín López, Francisco José; Rojas-Marcos González, Jesús; Historia del Arte
Se estudia la escultura religiosa realizada en madera policromada por los autores de la escuela sevillana en Cádiz, en el momento en el que José de Arce introduce los primeros influjos del Barroco europeo (Bernini y Rubens) Se aborda el marco histórico-artístico del territorio así como el movimiento artístico en sí, compuesto por autores y obras.Se analiza la biografía, estilo y producción de cada uno de los principales autores del movimiento, con información procedente de estudios científicos anteriores a la elaboración de este trabajo e incorporamos nuevos datos procedentes de la investigación en archivos históricos públicos y privados. Se incluye un catálogo de obras dividido en temática (conjuntos escultóricos en retablos e imágenes autónomas de Cristo, la Virgen, los santos y los ángeles), distinguiéndose entre obras documentadas y atribuidas. Se añade al final un índice onomástico y toponímico que auxilia al lector en la búsqueda de información y datos. Todo el trabajo se acompaña con fotografías realizadas directamente de las obras.
Las casas principales sevillanas de la segunda mitad del siglo XVI y su relación con Italia
(2025-06-26) Vallecillo López, Carmen; Halcón, Fátima; Herrera García, Francisco Javier; Historia del Arte
La presente tesis, titulada "Las casas principales sevillanas de la segunda mitad del siglo XVI y su relación con Italia", se centra en el estudio de la arquitectura doméstica señorial de la Sevilla del siglo XVI, abordando su proceso de transformación y la incorporación del gusto all'antica. La investigación parte de la carencia de estudios dedicados exclusivamente a la arquitectura residencial sevillana desde el prisma de la Historia del Arte. Por tanto, se analizan casas principales, tanto conservadas como desaparecidas, para reconstruir su evolución tipológica, formal y ornamental, así como su posible conexión con modelos italianos, principalmente genoveses y florentinos. El objetivo principal se centra en verificar si los modelos renacentistas italianos influyen o no en la arquitectura residencial sevillana del siglo XVI. Para ello se ha llevado a cabo una revisión bibliográfica, trabajo de campo y revisión archivística tanto en Sevilla, como en Génova, Florencia y Roma, lo que ha permitido contrastar modelos residenciales italianos con los sevillanos, observando similitudes en elementos decorativos, estructurales y espaciales. Esta tesis doctoral expone la asimilación de modelos italianos en la edilicia sevillana, reinterpretándolos y adaptándolos al contexto local mediante una síntesis entre la tradición islámica, el lenguaje mudéjar y las novedades importadas desde Italia.
La lacería mudéjar en las puertas de madera en el antiguo reino de Sevilla en los siglos XIV, XV Y XVI
(2025-06-25) Garrote Niso, Marco Aurelio; Albardonedo Freire, Antonio José; Marín García, David; Robador González, María Dolores; Historia del Arte; Expresión Gráfica e Ingeniería en la Edificación; Construcciones Arquitectónicas II
La tesis es un estudio de las carpinterías de arte mudéjar con ornamentación de lacería que cierran puertas y ventanas en edificios civiles y religiosos dentro de las fronteras del Reino de Sevilla. Este reino existió entre los años 1248 y 1833. El estudio incluye el análisis del trazado geométrico, su originalidad y el cumplimiento de las reglas que lo regían en la época en que se ejecutaron. En la investigación se aborda un estudio exhaustivo de las características constructivas y decorativas de estas carpinterías, así como las intervenciones que a lo largo del tiempo han modificado su estructura, diseño, policromía y ubicación originarios. Para ello se caracterizaron los pigmentos de las puertas del Palacio del Rey Don Pedro, el Palacio de las Dueñas y la Casa de Pilatos. Atendiendo a las características constructivas y decorativas se han realizado dos clasificaciones: una de acuerdo a las técnicas constructivas y otra relacionada con su función de uso. Las puertas conocidas de este período en la zona estudiada son veinticinco. Se encuentran en la Catedral, en la iglesia de San Martín, en el ex-convento de Santa Clara, en el Palacio del Rey Don Pedro, en el Palacio de las Dueñas y en la Casa de Pilatos, todas en la ciudad de Sevilla, en la iglesia prioral del Castillo de Aracena y en el convento de San José de Écija. Las carpinterías son puertas de cierre de recintos de sagrario de templos y portalones y tapaluces en palacios y conventos. Por último, se propone una nueva hipótesis sobre los posibles talleres intervinientes en un mismo edificio. Se han hecho algunas aportaciones novedosas a la interpretación a los tres manuscritos de carpintería de lo blanco conservados (López de Arenas, fray Andrés de San Miguel y Rodrigo Álvarez) y a la terminología empleada en ellas. Durante el desarrollo de la investigación ha surgido un catálogo extenso, aunque probablemente no completo, de puertas construidas en este arte en toda España. El total es de sesenta y ocho carpinterías, incluidas las de Sevilla. A partir de la catalogación y la comparación de modelos se ha lanzado la hipótesis razonada de que las puertas de sagrario de Jaén siguen los modelos de las de Sevilla. La tesis también contempla otros condicionantes culturales de las épocas de su creación: aporta conocimientos nuevos sobre las características del oficio de carpintero durante la Baja Edad Media y el primer Renacimiento, según las ordenanzas recopiladas en 1527 y, especialmente, las dadas por Alfonso X en el siglo XIII; su organización corporativa y dentro del taller; vetos étnicos; su relación con y dentro el poder municipal, al haber sido el alcalde del gremio uno de los alarifes de la ciudad de Sevilla; y finalmente la peculiaridad sevillana del cargo de comprador de madera, inexistente en otras ciudades. Finalmente se contemplan los materiales y las herramientas empleadas en la época.
El templo del Juramento de San Rafael de Córdoba. Arquitectura, ciudad y patrimonio. 1652-1874
(2025-06-17) Garrido Montero, Enrique; Villar Movellán, Alberto; Historia del Arte
Córdoba tiene a San Rafael como una de sus grandes señas de identidad y la figura del arcángel supera con creces el plano religioso. Todo parte de la devota tradición, según la cual, el arcángel se apareció en 1578 al sacerdote Andrés de las Roelas con el fin de asegurarle que unas reliquias halladas dos años y medio antes pertenecían a los Santos Mártires de Córdoba. Aquellas apariciones sirvieron para que Córdoba tuviera, a partir del siglo XVI, una devoción propia, con un carácter eminentemente local, que iba más allá de las devociones universales que procedían de la Edad Media. La casa donde se produjeron las apariciones pronto se convirtió en un sitio que venerar, peregrinando los vecinos hasta allí para rezar al arcángel. Pero no sería hasta décadas después, en 1652, cuando el munícipe José de Valdecañas adquiriera el inmueble para erigir una ermita en él. La falta de medios le llevó a fundar una cofradía que los garantizase, e incluso se iniciaron las obras, pero el fallecimiento de Valdecañas en 1659 acarreó la detención del proyecto y la desaparición de la cofradía. Hasta más de medio siglo después todo quedó en este estado, pero en 1713 otro miembro del Ayuntamiento se encargó del asunto, el conde de Guzmán, reactivándose las obras, que dirigieron Lorenzo Francisco y Francisco Díaz. El noble replicó a su antecesor por el mismo motivo, la falta de medios, naciendo así la actual cofradía de San Rafael entre 1715 y 1716. La ermita se bendijo en 1732 y, puesta en marcha, decenas de artistas llegaron para ornamentarla, como los plateros Pedrajas y Damián de Castro, los escultores fray Juan de la Concepción y Alonso Gómez de Sandoval o los pintores Andrés de Quesada, José de Coca y Alcoba y el Racionero Castro. Además, una brillante campaña de la hermandad, que buscaba razonar el culto a San Rafael y a los Santos Mártires, tuvo por consecuencia la llegada de grandes obras de orfebrería y una excepcional colección de pinturas y grabados. No obstante, el suceso que cambió para siempre el vínculo de Córdoba con San Rafael fue el Terremoto de Lisboa. La falta de grandes daños en la ciudad se atribuyó a la intercesión el arcángel, y el acuerdo tomado por los cabildos Municipal y de la Catedral de peregrinar anualmente a la ermita cambió su status al completo. La ermita pronto quedó pequeña y sus bienes no correspondían a la categoría de los visitantes, por lo que no se tardó en plantear una posible ampliación y la necesidad de adquirir un ajuar nuevo. En cuanto a lo primero hubo varios proyectos, no llegando a hacerse, en primer término, nada más que un camarín. En cuanto a lo segundo, la nobleza local y la propia hermandad dotaron al templo del fantástico ajuar de plata que aún se conserva. El empeño constructivo hubo de esperar hasta acabar el siglo, arrancando finalmente según las directrices de Juan Antonio Cardera Rojas, respaldado legalmente por Vicente López Cardera. El hallazgo del maestro Cardera Rojas y su importancia en el nuevo templo es, sin duda, uno de los grandes aportes de esta tesis. Rojas trabajó hasta su deceso, siendo sustituido por el arquitecto José Miguel Toraya, primero, y por José Cabrera y Pineda después. En 1806 se bendijo el actual templo, y a este empeño arquitectónico le siguió el artístico: el templete de Diego Carrillo, las dos series pictóricas de los Apóstoles, las verjas del presbiterio, el gran órgano de Pilat o la capilla sacramental son buen ejemplo de ello. Todos estos sucesos y algunos otros de los siglos XIX, XX y XXI han sido documentados, tratados y redactados en esta tesis doctoral realizada bajo el amparo del Programa de Doctorado en Historia de la Universidad de Sevilla, en la línea de Historia del Arte, y con la dirección del profesor don Alberto Villar Movellán.
La arquitectura e ingeniería del hierro en Sevilla y su difusión por Andalucía occidental y Canarias (1845-1926)
(2025-02-14) Prada Machuca, Alejandro; Fernández González, Alberto; Historia del Arte
La presente tesis doctoral tiene como objetivo principal ampliar el conocimiento sobre las construcciones de la arquitectura e ingeniería del hierro en Sevilla, y acerca del papel que jugaron las fábricas de fundición hispalenses en la difusión de esta nueva técnica constructiva por el suroeste peninsular y Canarias. Esta investigación se ha realizado a través de un cuantioso análisis de la documentación escrita y gráfica extraída de diversos centros como bibliotecas, hemerotecas, fototecas y hasta de un total de 17 archivos históricos diferentes, además de haber acometido una gran labor de trabajo de campo que nos ha permitido documentar, fotografiar y recopilar gran cantidad información novedosa que exponemos aquí. En cuanto a su estructura, está organizada en tres capítulos: 1) Arquitectura e ingeniería del hierro en Sevilla (1845-1926), en el que se destaca el patrimonio arquitectónico en metal construido desde la llegada de los ingenieros franceses a la ciudad en 1845 hasta la inauguración del puente de Alfonso XIII en 1926. 2) Ocio, fiesta y sociabilidad en la ciudad burguesa: estructuras y elementos de metal en los espacios públicos de Sevilla, en el que, con un novedoso enfoque, se examina la relación entre la arquitectura del hierro y los diferentes enclaves urbanos decimonónicos, en los que las estructuras metálicas enriquecieron los espacios sociales y festivos como el Real de la Feria del Prado de San Sebastián, o los diferentes parques, jardines y otras áreas vinculadas al ocio de la ciudad. 3) La industria sevillana de construcciones metálicas y la difusión de la arquitectura del hierro por Andalucía Occidental y Canarias, donde se analiza la evolución de la industria metalúrgica desde el contexto europeo hasta el ámbito local, destacando las principales fundiciones sevillanas y su legado en el suroeste español. En este último capítulo, se enfatiza en la implantación de la arquitectura del hierro a través de diferentes recintos feriales andaluces, en poblaciones como Constantina, Cazalla de la Sierra, Córdoba, Posadas y Jerez de la Frontera, y se analizan espacios públicos de Santa Cruz de Tenerife y la Villa de La Orotava. Esta estructura nos ha permitido abordar la temática desde una perspectiva histórica, técnica y social, destacando el valor patrimonial y la relevancia cultural de la arquitectura del hierro fabricada en Sevilla.
El santoral hispalense en la pintura barroca sevillana
(2025-01-31) Valdivieso Martínez, Beatriz; Valdivieso González, Enrique; Historia del Arte
A partir de mediados del siglo XV se aprecia una recuperación de la devoción por los santos patronos de la ciudad, tratando de encontrar las más antiguas figuras del santoral local. El resurgir de estos antiguos cultos está vinculado al auge económico y cultural de la ciudad y a su poderoso cabildo eclesiástico, que está construyendo la mayor catedral del reino que, junto a su arzobispado, pretende convertir en la sede en primada de España. Durante todo el siglo XVI se irá terminando la catedral y en su fachada se colocaron imágenes de los santos patronos, en esculturas de piedra y vidrieras y también en pinturas ubicadas en los exterior de la torre de la Giralda, con el fin de cristianizarla. El pintor Luis de Vargas ejecutó en unos frescos, a día de hoy desaparecido, perfectamente visibles desde el nivel de la calle en los que representó a san Leandro y san Isidoro a la izquierda, a las santas Justa y Rufina a la derecha, y a san Hermenegildo al centro abajo. De este modo se incrementó la popularidad de estos santos. Este conjunto de los principales santos que hubo a lo largo de la historia en esta ciudad y cuyo culto promovió la Iglesia se amplió en el siglo XVI merced a una abundante producción de pinturas destinadas a honrarlos, tanto en la misma catedral como en otras iglesias, que culminó en la decoración de la sala capitular de la Catedral de Sevilla. Este recinto, cuya arquitectura es de una calidad excepcional, fue realizado por Hernán Ruiz II a partir de 1568, concluyéndose la obra en 1592. Su espacio se configura con planta elíptica y, poseía un programa iconográfico destinado a exaltar la pacífica y fraterna convivencia que debía de reinar entre los capitulares que allí se reunían para la resolución de las cuestiones administrativas y económicas del templo metropolitano. Para ello ejecutaron esculturas Juan Bautista Vázquez el Viejo y Diego de Velasco, mientras que las pinturas habían sido realizadas por Pablo de Céspedes en el último cuarto del siglo XVI. Setenta y cinco años después, en el año de 1667, el cabildo catedralicio requirió una vez más de los servicios de Murillo, el pintor más destacado de la ciudad, para para proseguir adornando esta estancia con más pinturas, una con el tema de la Inmaculada, principal devoción sevillana, bajo cuyo patrocinio decidieron poner el recinto para que inspirase a los canónigos el máximo espíritu de virtud, obra ocupa el eje central del recinto y preside todo el ámbito arquitectónico, y a su alrededor ocho representaciones con formato circular de los más ilustres santos sevillanos para que les sirviesen de ejemplo moral, amparasen y protegiesen la rectitud de las decisiones económicas. La Iglesia consideraba pues que estos ocho santos eran los principales y más gloriosos santos que habían existido en la historia de la ciudad de Sevilla que, junto con la Virgen, debían presidir las actuaciones de los canónigos ofreciéndoles protección y amparo: san Isidoro, san Leandro, san Pío, san Laureano, san Hermenegildo, san Fernando, santa Justa y santa Rufina.
La Coreografía del Poder. Análisis del espectáculo patriótico a través del caso boliviano
(2024-12-03) Cajías Ponce, Wara Alexandra; Justo Estebaranz, Ángel; Osuna Lucena, María Isabel; Historia del Arte
Esta Tesis Doctoral analiza la «Coreografía del Poder» como un espectáculo patriótico planificado que actúa como una tradición inventada y un simulacro para exaltar la imagen y el poder de un gobierno o de una nación. El objetivo es estudiar este fenómeno en el contexto posterior a grandes movimientos sociales o revoluciones que provocan cambios en la forma de estado o de gobierno. Se centra en Bolivia y su celebración del Día de la Independencia y Fundación, no solo por su singularidad cultural, sino por su capacidad para ampliar la comprensión sobre la reinvención de tradiciones y la redefinición de identidades nacionales después de las transformaciones políticas. Este análisis se contextualiza en la transición de Bolivia hacia un Estado plurinacional entre 2006 y 2019, revelando cómo los estados legitiman su dominio en períodos de cambio. En el estudio, relacionamos el caso boliviano con otros momentos históricos y otros contextos políticos, que ejercieron su influencia en la configuración de estos espectáculos patrióticos. Partimos de la hipótesis de que la «Coreografía del Poder» opera en ciclos, similar a temporadas teatrales, donde se clausura por períodos, pero retorna con renovado vigor y expresión enérgica. Esta idea se fundamenta en la concepción de las imágenes como entidades capaces de trascender momentos históricos específicos, resurgiendo en diferentes épocas y condensando distintos momentos históricos en un fenómeno multitemporal. Para explorar esta hipótesis y enriquecer nuestras conclusiones, la investigación incorpora un análisis comparativo con casos análogos, permitiéndonos no solo ampliar nuestra perspectiva sobre el caso boliviano, sino también examinar cómo estos espectáculos patrióticos evolucionan y se reinterpretan a lo largo del tiempo en diversos contextos nacionales. Este trabajo se plantea desde el campo de conocimiento de la Historia y la Teoría Comparada del Arte, dado que su abordaje exige una perspectiva interdisciplinar y una apertura teórica y metodológica desde las Artes Escénicas y la Historia. Se trata de un trabajo eminentemente cualitativo, aunque completa el estudio con métodos cuantitativos con el fin de comprender los hechos y valorar la importancia que tienen determinados componentes en la planificación y desarrollo de las fiestas patrias en Bolivia. Para realizar el estudio, hemos diseñado nuevas herramientas de recogida y análisis de datos, que aplicamos al caso boliviano. Pretendemos que esta investigación sirva como un eslabón más en la cadena de conocimiento sobre los espectáculos patrióticos y su significado en la sociedad contemporánea.
Juan Talavera Heredia. Arquitecto municipal de Sevilla
(2024-11-15) Paneque Sánchez-Toscano, María Rocío; Fernández González, Alberto; Historia del Arte
Juan Talavera Heredia fue uno de los principales artífices de la arquitectura sevillana de la primera mitad del siglo XX. Ejerció como arquitecto municipal desde 1909 hasta 1943, salvo un periodo de excedencia voluntaria entre 1926 y 1932. Desde 1913 ostentó la jefatura de los servicios de arquitectura del Consistorio, por lo que se encargó de diseñar y dirigir la mayoría de los proyectos municipales que se ejecutaron en la capital andaluza durante el desempeño de su cargo. El estudio de la ingente obra pública que Talavera Heredia realizó para el Ayuntamiento hispalense es el objeto de esta tesis doctoral. El desarrollo de los contenidos se estructura en 14 capítulos dedicados a su biografía, que se trata en un primer bloque temático, y a su producción artística como arquitecto municipal, que es analizada en los siguientes apartados, agrupados por tipologías o materias. La investigación abarca la construcción edilicia de nueva planta; la adaptación o reforma de edificios; las actuaciones urbanas relacionadas con jardines, plazas y monumentos públicos; las principales intervenciones urbanísticas de trascendencia para la ciudad; el diseño de bienes muebles; algunos proyectos de arquitectura efímera, y el diseño de otros elementos relacionados con el desarrollo de las festividades locales, especialmente la Semana Santa y la Feria de Abril. El trabajo se apoya en la consulta exhaustiva de fuentes documentales de archivo, fundamentalmente del Archivo Municipal de Sevilla, que se completa con una sistemática revisión de fuentes hemerográficas de la época. Los datos obtenidos han permitido profundizar en la vida y obra del artista. Se presentan numerosas planimetrías inéditas que sustentan el estudio de sus proyectos, analizándose la historia constructiva de cada uno de ellos. Así mismo, se dan a conocer muchos trabajos ignorados del arquitecto, y facetas de su actividad profesional, que amplían el catálogo de su obra para el Consistorio sevillano. El estudio de la labor municipal de Talavera evidencia y pone en valor la trascendencia del arquitecto para la transformación de Sevilla en las primeras décadas del siglo pasado, visible todavía en el paisaje urbano, pero desconocida para gran parte de sus habitantes.
La escultura pública en Albania: entre el lenguaje estético y el mensaje político-social. Del renacimiento albanés al realismo socialista
(2024-11-04) Halili, Kujtim; Sánchez-Cortegana, José M.; Ramos-Suárez, Manuel-Antonio; Escultura e Historia de las Artes Plásticas; Historia del Arte
Esta tesis examina el renacimiento cultural de Albania tras su independencia en 1912, enfatizando el papel crucial de la literatura, la música y las artes plásticas en la formación de la identidad nacional. La fusión de influencias europeas con elementos tradicionales a través de la prensa y la actividad editorial contribuyó a la creación de un estilo propio. A pesar de los desafíos económicos y políticos, el arte floreció con las Exposiciones Nacionales y la Escuela de Arte. Kolë Idromeno, la dinastía Marubi en fotografía y posteriormente Odhise Paskali en la escultura pública, documentaron la sociedad de su época. La investigación también analiza la evolución de la escultura pública, destacando los monumentos en mármol y bronce que perpetuaron figuras históricas, influenciados por directrices políticas y económicas. Durante el régimen comunista, el "realismo socialista" limitó la libertad creativa, monopolizando las obras de arte como un medio de propaganda política, aunque estas restricciones se aliviaron en los años 80, permitiendo una mayor libertad artística y su reinterpretación en el arte contemporáneo. A través de un enfoque que combina análisis de fuentes primarias, entrevistas y trabajo de campo, esta investigación ofrece una visión integral del legado escultórico albanés contemporáneo, resaltando su importancia en la historia del arte y en la memoria colectiva del país. Se sugiere que futuras investigaciones profundicen en estos procesos mediante perspectivas comparativas y análisis detallados, enriqueciendo así el conocimiento histórico y cultural de Albania, informando tanto su presente como su futuro.
El arzobispo Alonso Manrique. Arquitectura y patronazgo artístico
(2024-07-12) Romero Rodríguez, Juan Alberto; Rodríguez Estévez, Juan Clemente; Historia del Arte
La presente tesis está dedicada al estudio de la figura histórica de Alonso Manrique de Lara (hacia 1470-1538) y a las obras artísticas a él asociadas. Hermanastro del poeta Jorge Manrique, fue un prelado que destacó por su formación intelectual y por una importante carrera eclesiástica pareja a una no menos exitosa labor política. Obispo sucesivamente de Badajoz y Córdoba y arzobispo Sevilla, al final de su carrera cardenal e inquisidor general, fue también un hábil cortesano, un hombre de mundo que supo ganarse el favor de los monarcas y señores de su tiempo. Durante un periodo de exilio en Flandes, don Alonso entra en contacto con la obra de una de las personalidades de la vanguardia cultural de la Europa de entonces, Erasmo de Rotterdam. Su escritos y actitud espiritual influirán en las reformas pastorales que el prelado promovió en todas las sedes que presidió. Especialmente en su última sede, la hispalense, un Manrique ya también inquisidor no puso impedimentos para que oradores y maestros espirituales como el venerable Juan de Ávila o “erasmistas encubiertos” ejercieran su magisterio, hombres que decididamente apostaban por una reforma espiritual y a los que Manrique consentía dar sus sermones en los espacios de la catedral. Al mismo tiempo, su relación con personalidades señeras del humanismo hispalense como el promotor de certámenes poéticos Baltasar del Río, obispo de Scala, sitúan al prelado en conexión con la vanguardia cultural del periodo. Como promotor de empresas artísticas, Alonso Manrique ha pasado a la historia por ser el responsable de generar un proyecto de gran impacto y que redefine una de las obras más notables del patrimonio arquitectónico español, como es la transformación del corazón de la antigua mezquita de Córdoba en un monumental crucero cristiano. Existen sin embargo otras obras que pueden asociarse al prelado, lo cual convierte esta tesis en una suerte de catálogo de sus empresas artísticas. Pretende por lo demás este trabajo dar respuesta a una singular cuestión: en qué medida el universo espiritual de reformas de Alonso Manrique se proyecta en las obras de arquitectura a él vinculadas. Su blasón, el mismo de la cubierta del Enchiridion de Erasmo, aparece en las portadas de iglesias del arzobispado de Sevilla. En definitiva, poner en relación el mecenazgo artístico de Manrique con la reforma espiritual y humanista que estaba sacudiendo en aquel momento a la España del periodo y de la que él fue partícipe.
Pintura, comercio e intercambio cultural entre Sevilla y Nueva España (1620-1640)
(2024-07-26) Prieto Ustio, Ester; Méndez Rodríguez, Luis Rafael; Historia del Arte
La tesis doctoral Pintura, comercio e intercambio cultural entre Sevilla y Nueva España (1620-1640) tiene como base tres ámbitos principales de estudio, por un lado, la circulación y tránsito de objetos culturales y el desarrollo del mercado artístico transatlántico acaecido entre la Península y el continente americano, especialmente desde la ciudad hispalense hacia los territorios novohispanos, la movilidad de los pintores europeos hacia este espacio geográfico y el desarrollo de su producción al otro lado del Atlántico, y el consumo artístico de la sociedad de la Nueva España, con especial atención en el arte pictórico, contando como fechas principales las décadas de 1620-1640, con el objetivo general de profundizar en el conocimiento y la puesta en valor de estas cuestiones. Para ello, y empleando una perspectiva desde la historia cultural y la cultura visual, se ha utilizado una metodología interdisciplinar, compuesta por el análisis y la consulta de fuentes documentales, bibliográficas y artísticas, procedentes de países como España, México y Portugal. La investigación se ha dividido en cuatro bloques, el primero, dedicado a la ornamentación de los navíos hispánicos en los siglos XVI y XVII, el segundo, enfocado en la circulación, tránsito y comercio artístico de objetos culturales entre la Península y el continente americano, con especial énfasis en el virreinato novohispano, el tercero, versa sobre los pintores del Viejo Continente instalados en México durante la primera mitad del siglo XVII, y el cuarto, aborda cuestiones en torno al consumo y coleccionismo de arte por parte de la sociedad virreinal mexicana.
Arte, moda y género en la cultura visual del siglo XIX en Sevilla y Cádiz
(2024-07-04) Romero Cháves, Beatriz; Mejías Álvarez, María Jesús; Historia del Arte
Durante el siglo XIX, principalmente desde mediados del mismo, Sevilla y Cádiz fueron unos importantes centros culturales y artísticos, y así se percibió no solo en el resto de España, sino también en el ámbito internacional. Ello se debió al asentamiento de los Duques de Montpensier en la capital andaluza, así como a los aires de modernidad y renovación que se vivían en Cádiz, provocando una fuerte captación para los viajeros extranjeros y artistas locales. De esta forma, se crearon nuevas mentalidades decimonónicas en Andalucía y una particular cultura visual, observándose también un naciente feminismo que contrastaba con el fuerte peso del conservadurismo andaluz. La pujanza de ambos pensamientos, aperturistas y tradicionales, se llevó a cabo mediante las manifestaciones artísticas y creativas que servían estos discursos, cobrando especial relevancia las obras de los/as artistas, diseñadores/as e ilustradores/as, el proceso creativo en sí mismo, las subordinaciones de género, las diferentes vías culturales, el tratamiento de la crítica artística o el recibimiento de los diferentes colectivos sociales de todas esta nueva cultura visual. De este modo, la presente tesis analiza la imagen de la mujer en Sevilla y Cádiz, particularmente su clásica función como objeto de representación artística y literaria, pero analizando también su carácter como creadoras de su propia imagen reflectada, destacando especialmente aquellas artistas e intelectuales gaditanas y sevillanas claramente desconocidas hasta el momento o que prácticamente han pasado desapercibidas en la historia. Todo ello se ha realizado desde una perspectiva de género y siempre en relación con el ámbito nacional e internacional. La tesis se estructura en una pertinente introducción, cinco capítulos -que van desde lo genérico a lo concreto-, cerrando con unas conclusiones, que recogen la importancia del tema y las aportaciones realizadas, intentando así visibilizar un tema de manifiesto interés científico y contribuir al conocimiento de los discursos de género en la cultura visual decimonónica.

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