Grado en Bellas Artes

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Para siempre
(2025) Ctta Merino, María; Castro Cobos, Manuel; Dibujo; HUM555: Pintura y Nuevas Tecnologías
El amor se muestra de muchas maneras distintas, dependiendo del tipo de relación en que se presente. Una de estas relaciones que menos se menciona son las fraternales. El vínculo de amor que puede llegar a haber entre hermanos puede ser tan grande que su ruptura o pérdida podría causar un dolor incluso parecido al de la pérdida de un hijo. Si bien hay muchos factores y, en muchas ocasiones, estas relaciones pueden no ser las mejores, me quiero centrar en las favorables, las que crean un amigo para toda la vida, una persona en la que confiar pase lo que pase. En este trabajo, abordaré este tema desde un punto de vista más psicológico, comparándolo con alguna relación conocida de hermanos, y mostraré su representación en el arte, a la vez que trataré mi obra, su evolución y el cómo me ha llevado a este tema, concluyendo con una de mis obras que creo que reúne perfectamente todo lo que quiero decir.
La memoria del olvido: desaparición del pequeño comercio y pérdida de identidad local.
(2025) Muñoz Guillén, Aida; Arregui-Pradas, Rocío; Dibujo; HUM447: Arte, Técnica y Sostenibilidad
Cómo dice Cyril S. Belshaw en el libro Comercio tradicional y mercados modernos, el comercio es una “relación mutua entre el sistema económico y el contexto social y cultural” (Belshaw, 1973, p. 9) de un lugar. Desde siempre, el consumo ha sido una actividad influyente en el desarrollo económico, cultural y tecnológico de nuestra sociedad. En el último siglo, el comercio fue un pilar en la economía de los pueblos y las ciudades, ya que era un espacio en el que se establecían lazos de unión entre los habitantes de este. Con la llegada de la globalización y el crecimiento del comercio digital, hemos cambiado completamente nuestros hábitos de consumo, dejando en un segundo lugar a negocios locales y llevándolos casi a la extinción. Tal es el caso del Valle de los Pedroches, una región con gran tradición comercial basada en la relación directa entre vendedores y clientes que se ha visto afectada por este cambio en la mentalidad de la época. A lo largo de los años, los establecimientos tradicionales formaron parte del entorno social de la comarca. Sin embargo, el crecimiento de las grandes superficies y, sobre todo, el internet, han marcado una nueva etapa en la que la inmediatez prevalece sobre las conexiones personales. Esta comodidad está repercutiendo de forma adversa en los pequeños negocios que, al no poder competir contra grandes plataformas, se han visto en la obligación de cerrar sus puertas, dejando así un vacío en la identidad de los pueblos.
“In tlilli in lalpalli". La modificación corporal como herramienta de comunicación artística a través del psicoanálisis
(2025) Reyes Luna, David; Blázquez-Pacheco, Diego; Dibujo; HUM544: Morfología de la Naturaleza
Como dice David LeBreton al comenzar su libro “Signos de Identidad” "Los signos corporales son, o bien huellas de demarcación con el entorno y con otras comunidades a las que pertenecemos, o la búsqueda de una singularidad personal dentro de una trama común" (David Le Breton, “Signos de identidad” , 2025, p. 5). Dichos signos son el objeto de estudio de este texto, marcas que se colocan en el cuerpo y pueden manifestarse de distintas maneras; tatuajes, piercings, escarificaciones e incluso cirugías. A lo largo del texto a este grupo lo trataremos como “modificación corporal”. Si planteamos la pregunta ¿por qué nos modificamos? nos encontramos con una infinidad de respuestas, tan variadas como los individuos que las llevan sobre su persona, algunas surgiendo desde la necesidad de cumplir ciertos cánones estéticos y recibir validaciòn sexual, en otras ocasiones desde la pretensión de pertenencia a un grupo cultural, otras desde la disidencia y la contracultura, a veces distintas razones conviven dentro de una misma, e incluso podemos encontrarnos con individuos que dicen no tener razón aparente para marcarse. Habiendo tantas posibles respuestas lo más sencillo es concluir que cada individuo tiene una motivación específica para modificarse, pero aun sin negar la declaración anterior, sería un error inferir que no existe la posibilidad de que hubiesen ciertos patrones de conducta específicos los cuales fueran un factor común entre los individuos que plasman dichas marcas en su persona. En este texto indagaremos en la búsqueda de dichos patrones, tomando a diversos autores como referentes teóricos y puntos de partida para las posibles respuestas a este planteamiento, y aunque mencionaremos muchos nombres durante el texto, construiremos nuestras hipótesis tomando como base 4 pilares, cada uno con un autor como sostén; (El trauma) Sigmund Freud, el padre del psicoanálisis (El goce) Jacques Lacan , (El Significante maestro y el Rizoma) Gilles Deleuze y Félix Guattari , (La firma del Yo) David LeBreton, el autor de la cita que abre el texto y el único del grupo que no tiene un nexo académico con el psicoanálisis.
La memoria y el objeto: Entre la estética y la identidad
(2025) Núñez Bueno, Margarita; Mancera-Martínez, Manuel-Fernando; Dibujo; HUM337: Arte Plástico, Secuencial, Experimental de Estampación y Nuevas Tecnologías. Teoría y Praxis
Este Trabajo de Fin de Grado se adentra en el universo íntimo de los objetos cotidianos para explorar su papel como extensiones del yo, como portadores de memoria, como huellas tangibles de una identidad que se construye también en lo pequeño y lo aparentemente inerte. Objetos que, al mirarlos con detenimiento, revelan algo más que su forma o su función: hablan de nuestras decisiones, de nuestras ausencias, de lo que elegimos retener frente al olvido. A medio camino entre lo poético y lo autobiográfico, este estudio busca indagar en el valor afectivo, simbólico y estético de aquello que, en apariencia, carece de vida. Porque en el fondo, los objetos también sienten con nosotros: cargan con lo que ya no está, evocan lo que fuimos, sostienen lo que somos. Y a veces, para comprender quiénes somos, basta con mirar lo que hemos decidido conservar.
Entre la pasarela y el museo: La moda como manifestación artística
(2025) Mata Bernal, Marina; Martínez-Montiel, Luis F.; Escultura e Historia de las Artes Plásticas; HUM950: Contemporaneidad y Patrimonio
La moda es una de las expresiones más visibles de la cultura. Más que un conjunto de prendas o tendencias, expresa valores, genera identidad y proyecta los conflictos de la sociedad que la produce. Aunque durante mucho tiempo se la consideró un ámbito menor frente al arte, asociada a lo efímero, a lo femenino o al consumo, hoy resulta imposible negar su dimensión estética y simbólica. La moda piensa, comunica y emociona; por eso, cada vez más, se estudia no solo como fenómeno social, sino como una forma de creación artística. Este trabajo analiza la evolución de la moda occidental como práctica artística desde el nacimiento de la alta costura en el siglo XIX hasta la actualidad. A través de un recorrido histórico y crítico, se estudia cómo Charles Frederick Worth transformó el oficio del modista en un acto de autoría, cómo diseñadoras como Chanel o Schiaparelli dialogaron con las vanguardias, y cómo creadores posteriores como McQueen, ampliaron los límites entre arte, moda y performance. También se exploran los vínculos de la moda con las artes plásticas y la performance, hasta llegar a la era digital, en la que las redes sociales y la globalización imponen un ritmo vertiginoso de producción y consumo. El propósito de este estudio es demostrar que la moda puede entenderse como arte cuando activa procesos de conceptualización, autorreferencialidad o performatividad, y cuando sus creaciones se legitiman mediante los mismos dispositivos que el arte: la firma, el archivo, la exposición y la crítica. En este sentido, el diseñador se presenta como mediador entre la estética y la sociedad, entre la necesidad y el deseo, entre la creación y el consumo.
Salitre. Historia de un paisaje
(2025) Carrasco Roche, Carlos; Ballesteros Alcain, Irene; Escultura e Historia de las Artes Plásticas; HUM1045: Laboratorio Arte, Ciencia, Tecnología y Sociedad / Art, Science, Technology and Society Lab
Salitre. Historia de un paisaje es una reflexión acerca de la relación existente entre el patrimonio social y natural gaditano. Escogiéndose como entorno las marismas y salinas, se repasa el concepto de paisaje, la socio-antropología humano-paisaje, el arte como potenciador del entorno y la visión artística de este, tratando el pasado, presente y futuro de esta singular geografía. Para ello, cinco estampas con simbología propia narran sucesos en espacios inundados por una atmósfera llena de tensión e incertidumbre. Las últimas conservadoras del pasado esquivarán todo lo que pueden la amenaza que las acosa en la tierra que las vio nacer. Con el uso de diferentes referentes artísticos se realiza una explicación detallada de la simbología utilizada y la estética de las composiciones para comprender plenamente la crítica visual del proyecto. Una obra gráfica que busca formular preguntas y opiniones críticas sobre la conservación a todo aquel que la contempla.
Doblemente olvidadas. Un catálogo de obras de Memoria Histórica con perspectiva de género
(2025) Pérez Lobo, Julia; Martín-Hernández, Rafael; Escultura e Historia de las Artes Plásticas; HUM184: Investigación de Técnicas Escultóricas
Siempre ha sido fundamental educar y formar en valores de empatía e igualdad y promover el pensamiento crítico en un contexto de socialdemocracia como es el nuestro. La transmisión de esta ética de pensamiento y comportamiento no sería posible sin el conocimiento de la historia, entendiéndola como una serie de sucesos consecuentes a otros, no situaciones excepcionales en un momento pasado completamente ajeno a nosotros. El Holocausto no es simplemente una consecuencia del auge del fascismo, es un evento complejo que involucra políticas sistemáticas de exterminio basadas en ideología racial nazi. De no ser así, caeríamos en la trampa de pensar que fue un momento único e irrepetible, que es el primer paso en la desinformación para que, paradójicamente, demos pie a su repetición. Es por este motivo, que resulta fundamental el papel que juega en nuestra sociedad la memoria colectiva, ya que esta se encarga de mantener vivo el recuerdo de los hechos pasados; tanto para evitar que estos puedan reaparecer como para honrar a aquellos y aquellas que sufrieron sus consecuencias más atroces. Asimismo, el arte juega un papel fundamental en dicha acción comunitaria, ya que dispone de una potencia propagadora capaz de impulsar un proyecto a través de un ámbito determinado y de convertirse en un agente para la transformación social. No se puede permitir que el arte sea relegado meramente al ámbito estético. Es necesario reflexionar desde la praxis artística y su representación formal, ocupando así espacios comunes y creando métodos divergentes de transmisión, pensamiento y crítica. Por otra parte, es imprescindible aplicar las “nuevas” perspectivas de análisis a las investigaciones de memoria colectiva, así como de cualquier otro tipo. No se puede seguir explorando sobre temáticas ya conocidas sin tener en cuenta todos los recursos al alcance, entre los cuales destaca la perspectiva de género. Un estudio actual debe ser hijo de su tiempo, aplicando las nuevas metodologías y teniendo en cuenta las hipótesis contemporáneas, de otro modo, no se trataría sino de un trabajo redundante y con una autopercepción desproporcionada. Igualmente, la implementación de estas teorías artísticas se convierte en un deber para con todos los momentos de la historia en que estas fueron negadas, silenciadas y descartadas o ni tan siquiera consideradas.
Amor romántico: Entre el mito y la herida. Una revisión crítica desde el arte
(2025) Merino Correa, Melissa; Martín-Hernández, Rafael; Escultura e Historia de las Artes Plásticas; HUM184: Investigación de Técnicas Escultóricas
En el presente Trabajo de Fin de Grado se aborda la problemática del mito del amor romántico comoconstructo social y la evolución de la representación de la temática en el arte a lo largo de la historia. Se empleará una metodología en la cual se expondrá el proceso de este Trabajo de Fin de Grado, detallando y describiendo su ejecución. En el primer punto del marco teórico, abordaremos el mito desde una perspectiva crítica y reflexionando cómo estos discursos podrían ser potencialmente perjudiciales, afectando a nuestras relaciones interpersonales o a la percepción del otro. A su vez, analizaremos cómo estos mitos románticos han influido en nuestra educación emocional desde un punto de vista inadecuado condicionados en construir relaciones afectivas auténticas, sanas y humanas. De manera paralela, describiremos el concepto de apego y definiremos sus tipologías. Además, se empleará un análisis de los estudios de John Bowlby y Mary Ainsworth, centrados en la tipologías del apego, examinando cómo estas tipologías vienen arraigadas a partir de las experiencias tempranas de la crianza y nos repercuten en la elección de vínculos afectivo en la etapa adulta. En el segundo punto, nos centraremos en el análisis de la representación del amor romántico, tanto idealizado como desconfigurado, del amor romántico durante la historia del arte. Se analizarán obras desde el Renacimiento hasta nuestra época contemporánea. No solo será una reflexión estética de las obras, sino también simbólicas, observando la evolución del amor a lo largo de la historia. En primer lugar trataremos a los artistas que mitifican este ideal romántico, desde un punto de vista tanto espiritual como carnal, comparando periodos entre sí con el objetivo de visualizar sus diferencias y similitudes. En segunda instancia, indagaremos en artistas que critiquen los ideales románticos y su obras contengan crítica social. Examinaremos las obras del periodo del Realismo hasta llegar al arte femnista del mundo contemporáneo. Daremos visibilidad a las artistas contemporáneas que han contribuido en la ruptura de estos ideales a través de sus obras y en la utilización de experiencias emocionales- siendo el duelo o relaciones afectivas- como vía de expresión artística. Para concluir, se hará una reflexión de todos los temas tratados cuestionando el papel del arte en la perpetuación o deconstrucción de los mitos románticos. A parte, se expondrán algunos de los proyectos que he realizado en torno a esta temática, describiendo tanto la obra en sí como sus simbologías.
Del adorno al arte: Orígenes de la joya, discursos y proyección en la contemporaneidad
(2025) Gómez Prieto, Raúl; Martínez-Montiel, Luis F.; Escultura e Historia de las Artes Plásticas; HUM950: Contemporaneidad y Patrimonio
Este Trabajo de Fin de Grado propone un acercamiento a la joyería como un campo artístico y cultural que trasciende su función ornamental. Lejos de ser un simple complemento, la joya es entendida aquí como portadora de historia, identidad, memoria y discurso crítico. A través de siete bloques temáticos, el trabajo traza una línea evolutiva desde sus orígenes rituales hasta su presencia en entornos digitales contemporáneos, integrando análisis históricos, técnicos y estéticos. En los primeros capítulos se estudia cómo la joyería surge en contextos simbólicos y ceremoniales, vinculada al poder y lo sagrado en las primeras civilizaciones, y cómo se transforma a lo largo del tiempo: desde la platería medieval hasta la democratización del metal en el barroco, culminando en el siglo XX con la joya como soporte conceptual. Este recorrido también incluye el paso de las técnicas artesanales a los procesos digitales, reflexionando sobre las razones profundas antropológicas y filosóficas que nos llevan a seguir adornándonos. Posteriormente, el enfoque se desplaza hacia la joyería como arte contemporáneo, analizando los materiales, técnicas y discursos que la sitúan en museos, aulas y espacios expositivos. Se reivindica la joya como lenguaje, como forma de expresión que puede vehicular crítica social, género, identidad o memoria. El trabajo también profundiza en la obra de referentes contemporáneos como Otto Künzli y Guillermo Pérez Villalta, estudiando sus características, sus modos de exhibición y comercialización y el impacto de sus trayectorias en el campo joyero-artistico. Mirando hacia el futuro, se abordan temas como la sostenibilidad, la educación en joyería, el coleccionismo, las nuevas formas de consumo y los desafíos del sector. Este análisis se contextualiza especialmente en el ámbito español, con énfasis en el panorama andaluz, rescatando actores, raíces y proyección internacional de la joyería de la región. Finalmente, se ofrece una conclusión integradora que sintetiza los hallazgos del trabajo y una bibliografía sólida que evidencia el rigor de la investigación. A lo largo del texto se mantiene un diálogo constante entre teoría, práctica, imagen y análisis comparativo, con el objetivo de construir una reflexión crítica y actualizada sobre la joya como objeto artístico, cultural, simbólico y tecnológico.
Expresión corporal en la drogodependencia
(2025) Morales Blanco, Ernesto; Martín-Sánchez, Olegario; Escultura e Historia de las Artes Plásticas; HUM491: Técnicas del Bronce
El proyecto pretende hacer un relato gráfico-plástico buscando elementos visuales que refuercen aspectos decadentes y dramáticos por medio del color, el contraste, las formas y la simbología de los elementos representados para expresar la problemática que sufren los consumidores hacia las drogas duras exponiendo los factores que producen el abuso de sustancias como son la dependencia física y la dependencia psíquica con sus respectivos síndromes.
La piel de la ciudad
(2025) Robaina López, Paula; García-Ranedo, Mar; Dibujo
Este proyecto constituye un intento de mostrar la importancia de los elementos gráficos que están presentes en los espacios urbanos confiriéndoles valor propio, sustrayendo lo gráfico del objeto. La identidad de la ciudad se configura a partir de la estética y otros recursos visuales, ambos condicionados por factores culturales, intelectuales y socioeconómicos, y se manifiesta a través de un conglomerado de imágenes que retratan la infraestructura urbana mediante patrones y elementos de carácter gráfico, que gracias a su gran potencia visual, reflejan a la perfección el interés que adquieren estos por sí mismos, como si tratasen de construir una personalidad o una piel. Desde las propias baldosas del suelo, hasta las paredes de los edificios o señales de tráfico. Todo supone un conjunto de códigos compuestos por formas simples: líneas, puntos, figuras geométricas… que constatan una estética concreta y una red de comunicación que pertenece a un lugar específico y su manera propia de expresión. Si sacamos estos elementos de su contexto habitual, nos encontramos con un ideario de símbolos abstractos que cobran sentido según quién los mira: son los trozos de un cuerpo que tiene importancia como un todo, como individuo. Son la piel de la ciudad. Aquello que ocurre en esta gran superficie es fruto final de sucesos comunes aunque diferentes, que nos afectan de distintas formas, pero que nos hacen sentirnos identificados y parte de algo que tiene vida y que interactúa constantemente con nuestros sentidos. Conocemos la ciudad porque nos vemos reflejados en ella, la sentimos como una parte de nuestras vidas y la percibimos todo el tiempo habitándola, como nuestros propios cuerpos.
Psicología de la composición audiovisual, Luz y color como reflejo de la desrealización en la sociedad hipermoderna
(2025) Mouslim Campillejo, Ismael; Ballesteros Alcain, Irene; Escultura e Historia de las Artes Plásticas; HUM1045: Laboratorio Arte, Ciencia, Tecnología y Sociedad / Art, Science, Technology and Society Lab
La sociedad actual se encuentra sumida en un constante torbellino de eventos y de influencias, que cada vez llegan de puntos más lejanos. Por ello, el sujeto tiene que vivir en la constante tensión de esta sociedad hiperactiva, hasta el punto de llegar a cuestionarse su identidad en el mundo incierto que le rodea. Esta sucesión de crisis identitarias puede llevar a padecer trastornos disociativos, que afectan desde la concepción del yo hasta la pérdida absoluta de la consciencia de identidad. En este trabajo, proponemos una investigación no solamente teórica sino también artística, explorando a través de la creación audiovisual por medio de entornos un viaje en el que el espectador pueda reflexionar sobre la realidad en la que vive y encontrar un modo de habitar el presente que marque la experiencia futura.
Transrrealismo: presencia de la ausencia, perforación emocional
(2025) Navio Mallofret, Samuel; Martínez-Montiel, Luis F.; Escultura e Historia de las Artes Plásticas; HUM950: Contemporaneidad y Patrimonio
Este Trabajo de Fin de Grado pretende analizar la pintura contemporánea, centrándose en el marco “transrrealista”, término inspirado por el término “transgénero” de Francisco Calvo Serraller, del que hago uso durante este proyecto para referirme a aquellas obras pictóricas las cuales parten de la figuración realista, pero la transgreden mediante recursos como la supresión, la distorsión o la superposición, estableciendo a su vez paralelismos con los recuerdos y las emociones, resonando en el espectador. A su vez, este TFG se compone de un estudio teórico, así como una propuesta artística personal.
La violencia por la violencia. Los sucesos lacerantes desde la pintura de Leon Golub
(2025) Alberro Rico, Isabel; Lara-Barranco, Paco; Pintura; HUM447: Arte, Técnica y Sostenibilidad
Este trabajo de Fin de Grado analiza las representaciones de la violencia en el arte contemporáneo, poniendo el foco en la pintura de Leon Golub, artista estadounidense (1922-2004). A través de la observación y del estudio de series como Interrogations (1981) y White Squad (1986-1988) se exploran cómo los distintos tipos de violencia —como la estructural o sistémica— atraviesan a un artista, haciendo eco de ello en su obra. Como antecedente histórico, analizamos el Duelo a garrotazos (1823) de Goya, que nos permite tener un punto anterior para realizar una reflexión de la evolución en las representaciones de la violencia en el arte. El análisis investiga, también, los distintos recursos o herramientas que se utilizan para representar la violencia conceptualmente, como el símbolo, la alegoría, principalmente. Haciendo uso de una metodología analítico-comparativa, en este trabajo enfrentaremos diferentes puntos de vista de autores de prestigio que han abordado el objeto de estudio arriba planteado como han sido Susan Sontaj, Georges Didi-Huberman o Byung-Chul Han. Entre las conclusiones que destacan de nuestro estudio cabe mencionar cómo el arte contemporáneo no solo representa la violencia, sino que también la cuestiona y desarticula, apelando a la responsabilidad crítica del espectador.
Deseo. La sexualidad masculina desde la obra protesta
(2025) Vizcaíno Valenzuela, Paula; Barrionuevo-Pérez, Raquel; Escultura e Historia de las Artes Plásticas
El objetivo de este trabajo de fin de grado es investigar mediante estudios teóricos y referentes plásticos que hayan planteado en sus obras algunos de los conceptos heredados latentes en el imaginario colectivo que afectan a los integrantes de nuestra sociedad en mayor o menor medida, poniendo en tela de juicio ideas preconcebidas y cánones hegemónicos. A pesar de que las nuevas generaciones intentan deshacerse de éstos, siguen perjudicando a la mayoría de los sujetos. La intención es desarrollar una línea de trabajo reivindicativa que actúe como obra protesta en la que se muestra de forma directa o indirecta dichos mecanismos y conceptos que perpetúan la reproducción de una violencia estructural, y en este caso sexual, hacia las mujeres —independientemente de etnia o clase— por parte del hombre cisgénero y heterosexual, siempre con el propósito de suscitar una respuesta o estímulo en el observador.
Khāb: the last journey. Propuesta artística para un videojuego
(2025) González Vargas, José Francisco; Soriano Colchero, José Antonio; Pintura
Este proyecto de diseño propone el desarrollo del apartado artístico para un videojuego ficticio. Se centra en la creación de personajes, escenarios, escenas, objetos, etc., con el objetivo de establecer un estilo visual que fusione los elementos anteriores, que cree una ambientación particular y que potencie la identidad del juego. A través de un enfoque analítico y experimental, el proyecto busca explorar los procesos dentro del concept art y de la creación de mundos. El trabajo abarca las diferentes etapas del diseño artístico, desde la investigación inicial y lluvia de ideas hasta el diseño final. Además, se documenta el proceso creativo, mostrando las decisiones tomadas a lo largo del desarrollo del proyecto.
Sin conexión concebida. La transformación de la devoción
(2025) Cordero Ruda, Rosario; Martínez-Salazar, Guillermo; Escultura e Historia de las Artes Plásticas; HUM184: Investigación de Técnicas Escultóricas
La devoción religiosa ha sido, históricamente, uno de los pilares más influyentes en la configuración de la cultura, el arte y las formas de vida de las sociedades. Desde sus manifestaciones más tradicionales hasta sus adaptaciones en la contemporaneidad, la religiosidad popular ha sabido mantenerse viva, aunque profundamente transformada por el paso del tiempo y los cambios culturales, sociales y tecnológicos. Este Trabajo de Fin de Grado se propone estudiar la evolución de la devoción religiosa desde una perspectiva amplia, tomando como eje el arte sacro y su significado en el contexto actual. Se parte de un análisis histórico que abarca momentos clave como el Concilio de Trento (donde se definieron con claridad las funciones del arte en el culto) y el Concilio Vaticano II, especialmente en lo referente al papel del objeto artístico en la liturgia contemporánea. Estos hitos permiten comprender cómo se ha ido modulando la percepción del arte sagrado y su función en la vivencia de la fe. En la actualidad, la fe no solo se manifiesta en los templos, sino también en las redes sociales, los medios digitales y el mercado. Este trabajo explora cómo las nuevas tecnologías han modificado las formas de compartir y experimentar lo religioso, desde la viralización de imágenes y vídeos de carácter devocional hasta la aparición de discursos que fusionan espiritualidad y cultura pop. De igual modo, se aborda el fenómeno de la comercialización de lo sagrado, visible tanto en la venta de souvenirs como en la espectacularización de las procesiones y estéticas cofrades. Uno de los ejes centrales de este trabajo de fin de carrera es el cuestionamiento del respeto hacia los símbolos religiosos y su representación en el arte contemporáneo. A través del análisis de obras provocadoras o disruptivas, se plantea una reflexión sobre los límites entre arte y blasfemia, espiritualidad y provocación. Este apartado se articula con un estudio visual y crítico de imágenes actuales de Cristo, donde se confrontan representaciones clásicas (como el Cristo de los Estudiantes de Juan de Mesa) con otras contemporáneas más crudas o realistas,como el Cristo de los Estudiantes de Córdoba de Juan Manuel Miñarro. Este contraste permite examinar la dulcificación de la muerte y la evolución de la sensibilidad religiosa. Asimismo, se incluyen casos significativos en el ámbito de la cartelería religiosa reciente, como el cartel de la Semana Santa de Sevilla realizado por Salustiano y el cartel de la Hermandad de la Macarena firmado por Luis Gordillo, que han generado debates intensos sobre los límites de la estética sacra. Este trabajo adopta un enfoque divulgativo, buscando acercar el fenómeno religioso al lector contemporáneo desde una mirada crítica, pero comprensiva. La religiosidad, entendida como fenómeno vivo y en constante negociación entre tradición y modernidad, se convierte aquí en objeto de análisis cultural, simbólico y artístico.
El uso de signos, símbolos e iconos en la obra artística
(2025) Ferrer Macías, Gabriel; Ballesteros Alcaín, Irene; Escultura e Historia de las Artes Plásticas; HUM1045: Laboratorio Arte, Ciencia, Tecnología y Sociedad / Art, Science, Technology and Society Lab
La repetición de símbolos e iconos es algo que el ser humano lleva practicando desde el inicio de los tiempos como forma de identificación y comunicación. En el mundo contemporáneo este lenguaje se ha llevado directamente a la identidad de artistas de toda índole, los cuales se pueden reconocer con tan solo ver sus iconos, una suerte de pictogramas que permiten identificarlo, como un logo. Imágenes que entran constantemente en lo colectivo por su repetición, desde diferentes visiones y formas, conociéndolos sin siquiera conocer su origen. Este proyecto constituye un estudio para el entendimiento de mi obra personal, desde un punto de vista simbólico, haciendo con él un recorrido histórico y artístico de esta práctica.
El arte de la Maquette. La importancia de la escultura tradicional en el proceso de preproducción en el cine de animación
(2025) Martín Ortega, Kiara; López Ortega, Gonzalo; Pintura; HUM337: Arte Plástico, Secuencial, Experimental de Estampación y Nuevas Tecnologías. Teoría y Praxis
A partir del estudio del uso de las maquettes en el diseño de personajes para animación, este proyecto investiga como estos modelos tridimensionales contribuyen a visualizar, comunicar y consolidar decisiones estéticas en el proceso creativo. Lejos de limitarse a una práctica tradicional, la escultura de personajes se revela como una herramienta versátil que permite reforzar la coherencia visual desde las primeras fases del desarrollo hasta su integración en pantalla. La investigación se apoya en el análisis de metodologías empleadas por artistas profesionales mediante la revisión de entrevistas, making-ofs y testimonios directos, con el fin de identificar patrones y herramientas comunes en la creación de maquetas. Al dar visibilidad a estos procesos, se busca ofrecer una perspectiva crítica y enriquecida sobre el valor que la escultura física sigue teniendo en la era digital, así como su impacto en la comunicación entre departamentos, la construcción volumétrica del personaje y la toma de decisiones visuales más fundamentadas.
El manga Seinen: Espejo de la experiencia humana
(2025) Rodríguez Gallego, Beatriz; Losada López, Manuel; Dibujo; HUM814: Dibujo: Conceptos, Procesos y Proyectos
Desde la infancia siempre he sido una gran amante de la animación y el cómic de Occidente, por lo que descubrir el contenido creado en otras partes del mundo me llamó la atención desde el primer momento: la forma de entender el día a día, las diferencias religiosas y culturales y, por supuesto, la cada vez más fina barrera del lenguaje. Me emocionaba si entendía alguna palabra sin tener que leer los subtítulos de los episodios de las series, poco a poco añadiéndolas a mi reducido vocabulario de japonés. Cuando una temporada quedaba en suspense, buscaba el capítulo del manga (estilo de cómic y novela gráfica de origen japonés) por el que continuar, incapaz de esperar a ver qué ocurriría a continuación. Me introduje así en una jungla cuya profundidad desconocía, y que me confundió nada más empezar a leer porque, a diferencia de los cómics europeos y americanos, los mangas están pensados para leerse de derecha a izquierda. Esa admiración a este tipo de obras me llevó a perseguir el arte de forma profesional, empezando por la carrera de Bellas Artes. La transformación de un pasatiempo en un trabajo, o en este caso, objetivo de estudio, implicó replantearme durante estos cuatro años de educación qué me apasiona, qué es lo que quiero decir, de qué manera quiero decirlo, y con qué objetivo, tomando como ejemplos artistas que me inspiran. Volví a mis raíces, a aquella niña que pasaba horas y horas leyendo historias procedentes de la otra punta del mundo, pero con las que, de alguna forma, conectaba. ¿Qué tipo de mangas eran los que más solía leer? ¿Con qué clase de personajes? ¿Estaban inspirados en experiencias reales? Estas preguntas me acompañaron durante la carrera, donde entré en contacto con materiales y técnicas que nunca había probado, pero acababa regresando a la línea, la trama y la tinta, especialmente en asignaturas como Discursos del Arte Gráfico, en el tercer año. El crear mundos e historias a través de mis vivencias o las de mis seres queridos se convirtió, poco a poco, en el núcleo de mis proyectos. Me llenaba de satisfacción hacer que alguien se sintiese comprendido, o aliviar las preocupaciones de quien pasa por un mal momento. En definitiva, estos “cuentos” son un proceso de introspección personal y conexión con los demás. Fue así como descubrí el género del seinen, que explicaremos más adelante, en el que la exploración de la psicología humana, las emociones y, en general, una temática más adulta, son las que florecen. Casualmente, es también donde la mayoría de autoras femeninas encuentran su espacio creativo.

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