Máster Universitario en Conservación de Bienes Culturales

URI permanente para esta colecciónhttps://hdl.handle.net/11441/173586

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Retablos cerámicos existentes en edificios civiles de la provincia de Sevilla durante el siglo XVIII
(2025) Pérez Estepa, Laura; Fernández Sutilo, Lucía
El presente trabajo centra su atención en el análisis histórico-artístico de la decoración cerámica, destacada en edificios de carácter civil, haciendo hincapié en haciendas, cortijos y espacios públicos, de la provincia de Sevilla, concretamente en sus retablos, durante el siglo XVIII. De este modo, se pone el foco en cinco comarcas que sirven de modelo para establecer semejanzas y diferencias entre ellas. El hecho de que nos centremos en estos espacios de la arquitectura sevillana reside en la escasa atención que la historiografía ha mostrado por la tipología decorativa de los cortijos, las haciendas y edificios civiles, pese a ser una seña de identidad de indudable valor a la hora de conocer sus costumbres religiosas y culturales. De hecho, los escasos estudios dedicados a la decoración cerámica tampoco han atendido al edificio en el que se encuentran. A través de este estudio podremos exponer la diversidad artística e iconográfica que se representa en los retablos de las grandes fachadas, estableciendo similitudes y diferencias entre todos ellos.
Evolución de la práxis polícroma de la imaginería andaluza del siglo XVI al XXI: Conocer para conservar
(2025) César-Robles, José Antonio; Bueno-Vargas, Javier; Pintura; HUM1069: Patrimonio Cultural: Producción, Conservación y Restauración
La escultura en madera policromada andaluza, conocida como imaginería, constituye un patrimonio cultural y artístico singular que conjuga excelencia técnica, función devocional y un profundo valor identitario. Su evolución, que en este trabajo abarca desde el siglo XV hasta la actualidad, es un reflejo dinámico de las normas eclesiásticas y los cambios estéticos de cada época. La imaginería se define específicamente como la creación de imágenes devocionales destinadas al culto, diferenciándose de la escultura profana por su función litúrgica y catequética, alineada con un programa doctrinal regulado por la Iglesia. Esta práctica artística es un vehículo de cohesión comunitaria y se articula frecuentemente en Andalucía en torno a grupos de fe como pueden ser asociaciones, cofradías o hermandades, cuyo fervor popular, especialmente durante la Semana Santa, ha configurado un lenguaje visual compartido y ha consolidado este género como patrimonio cultural vivo. La consolidación del imaginario conceptual de imaginería en Andalucía se produce a partir del Renacimiento, que asentó un concepto de mayor naturalismo, aunque fue el Barroco (siglos XVII-XVIII) la edad de oro de este arte, alcanzando el culmen del dramatismo y la sofisticación polícroma. La Contrarreforma, impulsada por el Concilio de Trento (1545-1563), fue clave, al exigir que las imágenes fueran claras, didácticas y emocionalmente accesibles al fiel, lo que promovió un realismo extremo. Talleres como los de Juan Martínez Montañés, Juan de Mesa (Sevilla), y Alonso Cano o Pedro de Mena (Granada) fijaron los modelos de belleza idealizada y devoción emocional. Las encarnaciones al óleo con múltiples veladuras simulaban la piel humana, el dorado al agua con bol rojo aportaba lujo, y los estofados y esgrafiados mostraban la riqueza textil, sirviendo no solo como acabado, sino como vehículos esenciales para transmitir el pathos religioso. Regionalmente, la escuela sevillana se distinguió por su virtuosismo técnico y realismo procesional, mientras que la granadina enfatizó la espiritualidad pictórica y la luminosidad contenida. Tras el apogeo barroco, el siglo XVIII introdujo la sobriedad neoclásica, reduciendo el dramatismo y el uso de dorados. En el siglo XIX, la desamortización de Mendizábal debilitó a las cofradías, pero el Romanticismo historicista reavivó el interés por el Barroco, impulsando el resurgir neobarroco. La Guerra Civil y el posterior Nacionalcatolicismo revitalizaron la Semana Santa, con talleres como el de Antonio Castillo Lastrucci impulsando la imaginería procesional. El periodo contemporáneo (siglos XX y XXI) se caracteriza por la pervivencia de los modelos barrocos, pero con la integración de nuevos materiales y técnicas, como pigmentos sintéticos (azul de Prusia, rojos de cadmio), barnices de resinas acrílicas y, más recientemente, la inserción de nuevos soportes como las resinas de impresión 3D o la fibra de vidrio. Esta evolución matérica plantea un reto fundamental para la conservación-restauración. La praxis contemporánea exige un equilibrio entre la tradición artesanal y los protocolos científicos, siendo vital el conocimiento de los materiales históricos y modernos para garantizar la compatibilidad química en las intervenciones. El restaurador debe proceder con precisión, especialmente en la limpieza, ya que las capas superficiales de barnices y veladuras son las más delicadas y su pérdida elimina los matices cromáticos y la autenticidad visual. Además, se debe respetar el acabado superficial buscado por el artista, para devolver a la imagen su percepción simbólica y plástica original en su contexto devocional, consolidando así la imaginería andaluza como un arte vivo que integra espiritualidad, técnica y ciencia.
Reintegración cromática de pinturas en soportes de cobre
(2025) Olmedo Ballesteros, Inés; Prado-Campos, Beatriz; Pintura; HUM956: Conservación de Patrimonio. Métodos y Técnicas
El presente Trabajo de Fin de Máster aborda el estudio de la reintegración de lagunas en pinturas sobre cobre, una tipología de pintura poco habitual que plantea importantes retos en el ámbito de la conservación y restauración. La investigación combina una revisión teórica, que recoge las técnicas tradicionales descritas en tratados históricos, con una fase experimental. En el laboratorio se reproduce una pintura sobre cobre, se inducen lagunas controladas y se evalúan distintos materiales y técnicas de reintegración atendiendo a criterios de compatibilidad, reversibilidad, estabilidad y resultado estético. El objetivo es ofrecer criterios prácticos y fundamentados que faciliten la selección de materiales y estrategias de reintegración más adecuados para pinturas sobre cobre.
Puesta en valor de la alta costura como patrimonio cultural
(2025) Macías de la Rosa, Belén; Domínguez-Gómez, Benjamín; Pintura; HUM956: Conservación de Patrimonio. Métodos y Técnicas
Este trabajo fin de máster aborda la alta costura como patrimonio cultural, destacando tanto su valor material como inmaterial. A lo largo de la investigación, se analizan los diversos retos que enfrenta la conservación de estas prendas, tanto desde una perspectiva técnica como legal. Se identifican los riesgos inherentes a los materiales y las técnicas empleadas en su confección, así como las condiciones de exposición que afectan su preservación. Además, se revisa el marco normativo en España, donde se detectan vacíos en la protección legal de la moda contemporánea, lo que resalta la necesidad de una mayor integración de la alta costura en los discursos patrimoniales. El trabajo propone soluciones de conservación preventiva que pueden ser aplicadas en museos e instituciones, adaptadas a los desafíos específicos de la alta costura.
Conservación de la Performance: Enfoque Técnicodocumental, Museológico-curatorial y Ético-jurídico
(2025) Copa Álvarez, Lidia; Martínez-Montiel, Luis F.; Escultura e Historia de las Artes Plásticas; HUM950: Contemporaneidad y Patrimonio
Este Trabajo de Fin de Máster parte de la necesidad de readaptar la performance como práctica efímera al contexto digital actual, el cual ha distorsionado notablemente los modos de creación, conservación y transmisión de todas las prácticas artísticas contemporáneas. En este sentido, el bagaje propuesto sitúa el foco de atención en el arte de acción, entendiéndolo como una experiencia que desestabiliza las dinámicas institucionales tradicionales de la preservación; dialogando con los cambios sociales, políticos y culturales, que se producen simultáneamente en la sociedad. En este ambiente, se considera esencial examinar la dimensión técnica y sus implicaciones éticas, jurídicas y culturales, derivadas de las permutas en el sistema de creación, dinámicas discursivas y en la versatilidad de la recepción de la obra. Asimismo, la investigación nace de un interés por priorizar una mirada interdisciplinar, decolonial, sostenible e inclusiva, que cuestione los modelos y discursos dominantes. Se prima, por lo tanto, reivindicar la memoria artística, como espacio de resistencia frente a situaciones de precariedad, exclusión, vulnerabilidad y violencia.
Estudio de los motivos polícromos en un conjunto de esculturas de Martínez Montañés en la provincia de Sevilla
(2025) Domínguez García, Esperanza; González-López, María-José; Pintura; HUM956: Conservación de Patrimonio. Métodos y Técnicas
Este trabajo consiste en un estudio detallado de los motivos polícromos y del programa ornamental de cuatro esculturas de Martínez Montañés conservadas en la provincia de Sevilla: la Inmaculada Concepción “La Cieguecita”, la Virgen con el Niño, Santa Ana y San Joaquín. La investigación se centra en el estudio in situ, la documentación fotográfica y el estudio comparativo entre estas cuatro obras, tomando como referencia la ficha de estudio de policromía de la profesora y catedrática María José González López. En primer lugar, se pone en contexto al autor de dichas obras, exponiendo su carrera artística, las ordenanzas gremiales de la época a la que corresponde, y su equipo de trabajo, que en este caso son los policromadores con los que trabaja, que tienen especial relevancia e importancia en este estudio. A continuación, se pone en manifiesto la importancia de la policromía y el papel fundamental que desempeña en la configuración estética de una obra. Se explica el uso reiterado de los estofados y los motivos policromos decorativos que refuerzan el carácter devocional de las imágenes. Las encarnaciones juegan con un papel muy importante en este estudio, ya que ayudan a acentuar el naturalismo de las esculturas de esta época. El catálogo de motivos realizado en estas cuatro esculturas aporta una documentación novedosa que contribuye a valorar y conservar las policromías de estas obras, destacando la importancia para su identidad cultural, visual y religiosa. Por último, se ha efectuado un análisis comparativo entre la ornamentación de estas indumentarias y de los motivos empleados en su ejecución, cuyos resultados también sirve para demostrar las diferencias más significativas entre las esculturas realizadas en diferentes etapas de Martínez Montañés
Hermandad de la Caridad de Sevilla: Valoración de la muerte
(2024) Peñuela de Mula, Alicia; Gil Tébar, Pilar de los Reyes
La Hermandad de la Caridad de Sevilla, fundada en el siglo XV por Miguel Mañara, se erige como un pilar fundamental en la historia cultural y social de la ciudad. Esta institución, originalmente dedicada a la gestión de un hospital y actualmente enfocada en los ritos funerarios y el cuidado de acogidos, ha sido testigo de numerosos cambios sociales y urbanísticos a lo largo de los siglos. Su legado incluye una rica colección de objetos patrimoniales y prácticas rituales que no solo reflejan su historia, sino que también encapsulan valores universales de solidaridad y dignidad. El patrimonio de la Hermandad de la Caridad es excepcional por su capacidad para mantener vivas tradiciones ancestrales y por su impacto en los valores sociales de la comunidad sevillana. Los enseres utilizados en sus ceremonias, desde los féretros hasta los atuendos rituales, y los ritos funerarios que realiza, constituyen una parte esencial de su identidad cultural. Estos elementos no solo tienen un valor histórico, sino que también actúan como vehículos de memoria que conectan el pasado con el presente. Sin embargo, la Hermandad enfrenta desafíos significativos que amenazan la continuidad de su patrimonio. La avanzada edad de muchos de sus miembros, combinada con la falta de recursos económicos y la falta de renovación generacional, pone en riesgo tanto la conservación de sus objetos como la transmisión de sus prácticas y valores. La modernización del entorno urbano y las restricciones impuestas por el tráfico han llevado a la adaptación de algunas tradiciones, pero también han puesto de manifiesto la necesidad urgente de preservar y restaurar el patrimonio material e inmaterial. En este contexto, el presente estudio se propone abordar la conservación y restauración del patrimonio inmaterial de la Hermandad de la Caridad desde una perspectiva integral. La investigación se centrará en identificar y documentar el patrimonio inmaterial existente, analizar el papel de los objetos en la preservación de la memoria y evaluar el impacto de la pérdida de este patrimonio en los valores sociales. Además, se desarrollarán estrategias para la conservación y la gestión sostenible del patrimonio, con el objetivo de asegurar que el legado de la Hermandad continúe siendo una parte viva de la identidad cultural de Sevilla.
El papel de la mujer en el ámbito cultural: Prácticas feministas en el museo y el comisariado de exposiciones
(2024) Posada Baraldés, Ana; Martínez-Montiel, Luis F.; Arenillas Torrejón, Juan Antonio; Escultura e Historia de las Artes Plásticas; HUM950: Contemporaneidad y Patrimonio
El presente trabajo, en el contexto académico del Máster Universitario en Conservación de Bienes Culturales, pretende plantear un proyecto teórico de investigación centrado en la perspectiva de género desde la gestión y práctica cultural dentro del ámbito de los museos. En este proyecto se busca abordar y analizar de manera general cuáles han sido las prácticas relacionadas con la mirada feminista dentro de la historia del arte y cómo esta permea en la actividad comisarial, la didáctica y la difusión dentro de los museos, tanto en el ámbito internacional, como a nivel español. Este estudio hace un recorrido crítico por las diferentes estrategias que se han planteado a lo largo de los años, desde el auge y las reflexiones acerca del activismo dentro del arte en los años setenta y ochenta, donde el movimiento feminista, queer y racial fueron visiblemente notables en el arte contemporáneo, un movimiento que vino sobre todo de los Estados Unidos. En este contexto se crea todo un movimiento crítico y social que puso de manifiesto, las múltiples ausencias de dichos colectivos en los museos y galerías, esos grandes templos del arte, en los que parecían no haber recabado en estos colectivos anteriormente. Este repaso por la ausencia de la mujer en las instituciones culturales no sólo pasa por las propias creadoras (que también), sino por una búsqueda incansable de referentes dentro de los puestos relacionados con el sector cultural, analizando esa gran brecha o barrera invisible de la mujer dentro de los cargos directivos o de responsabilidad en los espacios culturales. Por tanto, esta investigación plantea una panorámica sobre la perspectiva de género en el ámbito cultural, impulsando una mirada crítica y, sobre todo, en búsqueda propia de una demanda de carácter social, muy actual y reciente, por incluir una pluralidad de voces necesaria para completar una de las principales funciones del museo, construir entre todos el relato de la humanidad, un relato donde realmente se incluya al conjunto de la sociedad.

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