Tesis (Escultura e Historia de las Artes Plásticas)

URI permanente para esta colecciónhttps://hdl.handle.net/11441/10701

Examinar

Mostrando 1 - 20 de 63

Museo de la memoria: Una red para el rescate patrimonial desde el olvido. El Salvador
(2023-11-28) Méndez De Castellón, Georgina Magali; Ruiz-de-Lacanal, María-Dolores; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas
La memoria colectiva es un patrimonio colectivo; pero la memoria, como cualquier sujeto de herencia, puede ser querida o rechazada. Su aprecio viene dado de la consciencia de su valor, así como de su incidencia positiva o negativa en el imaginario o la ideología de quienes heredan, su respeto y sentido de justicia. La guerra civil de El Salvador (1981-1992), una de las más cruentas en la historia de América Latina, marcó profundamente a la sociedad salvadoreña, pero las iniciativas por salvaguardar su recuerdo y hacerlo un instrumento para que la sociedad no vuelva a repetir un evento similar han sido insuficientes. Esta investigación plantea la necesidad de construir un museo en red, desde la visión de la memoria histórica como patrimonio cultural material e inmaterial, tomando por base la experiencia salvadoreña de la guerra civil. Por ello, comienza por identificar históricamente el patrimonio cultural de El Salvador, hace un repaso de las etapas pre, durante y post conflicto, y advierte sobre la memoria histórica salvadoreña como un patrimonio expuesto al olvido. A continuación, hace un reconocimiento de los espacios, expresiones y voces de memoria en el país, con base en un estudio de campo. Ese estudio cuali-cuantitativo, a través de la creación de fichas de registro, cuadros y cartografía digital, constituye en sí un trabajo sin precedentes en El Salvador. Todo esto converge en la propuesta de un museo de la memoria en red, inexistente en El Salvador, que sintetiza el carácter colectivo de la memoria y el patrimonio, su dimensión cultural, la necesidad de reivindicar la memoria haciendo de los derechos humanos una presencia indispensable, la urgencia de reseñarla, concebirla como un proceso en cambio constante y de exponerla con nuevas visiones museológicas. El daño del desconocimiento, la destrucción y el desinterés, su relación con la memoria y la forma en que se ha afrontado el debate de su conservación en El Salvador deja de estar pendiente con esta propuesta, que al mismo tiempo, quiere ser un aporte epistemológico y metodológico a la memoria y el patrimonio desde el Sur Global. Centroamérica posee una rica experiencia que amerita ser apoyada pero sobre todo, ser tenida presente en el horizonte de la memoria y el patrimonio del mundo.
Emilio García Ortiz. Intervenciones artísticas en la arquitectura y el interiorismo a través de la cerámica
(2024-11-25) Tapia García, Juan Pedro; Nogaledo Gómez, Laura; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas
Azul, amarillo, rosa pastel, formas circulares que se intersecan, caballos, mujeres con sombrilla, niños jugando al aro... Estas son algunas de las características que hacen reconocible el estilo de casi un centenar de murales cerámicos catalogados en este trabajo. ¿Cómo es posible que Emilio García Ortiz sea tan desconocido habiendo realizado una obra tan personal y tan extensa? En una primera parte, esta tesis doctoral recoge la biografía y el contexto del artista, el cual continuó con el oficio que había aprendido de su padre en la alfarería. Para ello, colaboró con multitud de arquitectos en la integración de las artes a todas las escalas, realizando murales, maceteros e incluso tiradores para puertas. En una segunda parte, se realiza un análisis y catalogación de sus intervenciones artísticas vinculadas a la arquitectura y el interiorismo. Por último, se reivindica una visión de la obra de Emilio García Ortiz como parte del patrimonio artístico y cultural de Sevilla. Con esta finalidad, se lleva a cabo su puesta en valor con diferentes propuestas que buscan dar reconocimiento al artista y proteger su obra.
La innovación plástica de la obra artística de Miguel Fuentes del Olmo
(2024-11-05) Martínez Perea, Juan Manuel; Sánchez-Cortegana, José M.; Martínez-Salazar, Guillermo; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas
Miguel Fuentes Del Olmo es uno de los artistas más destacados del panorama andaluz y español desde el año 1960 hasta la actualidad. Desde muy pronto, durante su infancia y adolescencia, tomó contacto con el mundo de las artes y la cultura humanista, de la mano del jesuita P. López Ferrer, en sus estudios básicos en la Escuela Profesional de la Sagrada Familia de Andújar. Estudia Bellas Artes en Sevilla y Madrid, obteniendo las mejores calificaciones y los premios que se concedían en ese momento. Compagina sus estudios con trabajos profesionales en el Movimiento Arte Sacro bajo la dirección del dominico P. Aguilar y en colaboración con el escultor zamorano José Luis Alonso Coomonte, desde el inicio de sus estudios en Madrid hasta el año 1969. Posteriormente, se reparte entre Madrid y Andalucía, donde comienza una etapa de gran productividad artística y docente en las facultades de Bellas Artes de las Universidades de Granada y Sevilla. Es poseedor de numerosos premios y distinciones de carácter académico, al tiempo que ejerce una fantástica labor de mecenazgo vinculada a su etapa como docente. Su producción artística, muy cuantiosa, comprende tanto obras de carácter religioso -enmarcadas dentro de los postulados emanados del Concilio Vaticano II- como civil, especialmente grandes vitrales y murales de hormigón incorporados a la ornamentación de grandes bloques de viviendas y oficinas surgidos al calor del gran auge constructivo de las décadas de los años 60 y 70 del pasado siglo en España. Siempre vinculado a la investigación, es un autor que ha perseguido la innovación tanto en los materiales y sus procedimientos como en las propuestas formales, tendentes siempre a la abstracción, alejándose progresivamente de la carga figurativa de su formación académica. La puesta en valor de una obra tan extensa y el estudio de los procedimientos que se utilizaron para realizarla es el objetivo primordial de nuestro trabajo de investigación. Contamos con la ventaja de la presencia e inestimable ayuda directa del protagonista de este estudio. Por otra parte, consideramos un valor fundamental de la investigación científica en arte, la transferencia de los conocimientos a la sociedad. Con nuestro trabajo, no sólo registraremos una ingente obra de una calidad indudable, sino que propiciaremos que otros profesionales conozcan dichos procedimientos para que puedan ponerlos en uso en sus propias producciones. Se exponen, entre los contenidos de esta tesis doctoral, ciertos proyectos de investigación producidos como parte de las actividades del grupo de investigación “Técnicas Escultóricas” (HUM-184). Con el primero de ellos, un relieve monumental en hormigón armado del año 2015, pretendimos transmitir los conocimientos atesorados por el protagonista de nuestra investigación, al conjunto de los alumnos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla donde se ubicó el laboratorio de nuestro trabajo, coincidiendo con el contrato predoctoral del que fuimos beneficiarios entre los años 2014 - 2018. Se presentan también otros dos proyectos, de forma más sintética, fruto de los resultados que íbamos obteniendo en dicho laboratorio, con el fin de transmitirlos a la sociedad en general. Sería para nosotros interesante repetir este tipo de actividades con el resto de las diferentes técnicas y procedimientos de la obra general de Miguel Fuentes Del Olmo, aquí estudiados. Es sin duda una línea de investigación que queda abierta para el futuro.
La nostalgia como experiencia estética contemporánea: su exploración en la instalación artística
(2024-11-29) Leñador, Javier; Martínez-Montiel, Luis F.; Godoy Domínguez, María Jesús; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas; Universidad de Sevilla. Departamento de Estética e Historia de la Filosofía
El presente trabajo ofrece una investigación detallada sobre la nostalgia como un fenómeno polisémico y global de especial importancia en la sociedad contemporánea. Bajo un enfoque marcadamente multidisciplinar, analiza cómo ésta se ha constituido histórica, cultural, psicológica y estéticamente dentro de las lógicas capitalistas y creativas que promueven un regreso figurado al pasado. Tras una contextualización sociológica y crítica, esta tesis se focaliza en la nostalgia como hecho psicológico, como emoción puramente subjetiva e intersubjetiva con el fin de caracterizarla de manera suficiente. Dicha caracterización resulta esencial para abordar rigurosamente el propósito fundamental del trabajo: el análisis de la nostalgia como experiencia estética, como una emoción que puede ser identificada y/o sentida en el encuentro con obras de arte y otros objetos estéticos. Atendiendo a su problemática en tanto emoción ambigua, compleja, y autoconsciente, así como a sus causas, modos y consecuencias, se examina dicha nostalgia en relación con una forma artística precisa: la instalación como espacio afectivo especialmente apropiado para la rememoración y la experimentación nostálgica. Concretamente, lo hace a través de un estudio de casos, tres obras instalativas que se acercan a lo nostálgico de formas diversas: The toilet (1992), de Ilya y Emilia Kabakov, Storia della notte e destino delle comete (2022) de Gian Maria Tosatti y Profundis (2024), de Delcy Morelos. La tesis concluye con una reflexión sobre las cuestiones más relevantes aparecidas en el cuerpo del trabajo, así como una presentación de algunas ideas solo a modo de esbozo, como hilos que seguir en investigaciones posteriores.
La escultura pública en Albania: entre el lenguaje estético y el mensaje político-social. Del renacimiento albanés al realismo socialista
(2024-11-04) Halili, Kujtim; Sánchez-Cortegana, José M.; Ramos-Suárez, Manuel-Antonio; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas; Universidad de Sevilla. Departamento de Historia del Arte
Esta tesis examina el renacimiento cultural de Albania tras su independencia en 1912, enfatizando el papel crucial de la literatura, la música y las artes plásticas en la formación de la identidad nacional. La fusión de influencias europeas con elementos tradicionales a través de la prensa y la actividad editorial contribuyó a la creación de un estilo propio. A pesar de los desafíos económicos y políticos, el arte floreció con las Exposiciones Nacionales y la Escuela de Arte. Kolë Idromeno, la dinastía Marubi en fotografía y posteriormente Odhise Paskali en la escultura pública, documentaron la sociedad de su época. La investigación también analiza la evolución de la escultura pública, destacando los monumentos en mármol y bronce que perpetuaron figuras históricas, influenciados por directrices políticas y económicas. Durante el régimen comunista, el "realismo socialista" limitó la libertad creativa, monopolizando las obras de arte como un medio de propaganda política, aunque estas restricciones se aliviaron en los años 80, permitiendo una mayor libertad artística y su reinterpretación en el arte contemporáneo. A través de un enfoque que combina análisis de fuentes primarias, entrevistas y trabajo de campo, esta investigación ofrece una visión integral del legado escultórico albanés contemporáneo, resaltando su importancia en la historia del arte y en la memoria colectiva del país. Se sugiere que futuras investigaciones profundicen en estos procesos mediante perspectivas comparativas y análisis detallados, enriqueciendo así el conocimiento histórico y cultural de Albania, informando tanto su presente como su futuro.
El despertar digital en la Escultura, un antes y un después. Incorporación de herramientas digitales como elemento optimizador en el diseño y producción tradicional de esculturas estructurales
(2024-09-27) Stoilova, Ralitsa Hristova; Barrionuevo-Pérez, Raquel; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas
La tecnología asistida por ordenador y los procedimientos de prototipado rápido han representado un avance significativo en la creación tridimensional. La implementación de estas técnicas innovadoras ha introducido una amplia gama de nuevos materiales y ha potenciado muchos ya existentes. Como resultado, han surgido nuevos lenguajes estéticos que, en muchos ámbitos, han marcado un punto de inflexión. Disciplinas como la arquitectura y el diseño han sabido adaptarse a estos cambios, integrando estos nuevos medios en sus procedimientos habituales, lo que ha mejorado la calidad de sus resultados. No obstante, otras disciplinas tridimensionales han adoptado una actitud más cautelosa hacia este progreso, con el objetivo de preservar su esencia. Este es el caso de la escultura contemporánea, que ha tardado en adoptar estos recursos. Sin embargo, la escultura siempre ha estado vinculada a la ciencia y a los nuevos materiales que esta ofrece, lo que ha proporcionado a los escultores un camino hacia el crecimiento. Un ejemplo de este fenómeno se puede observar en la actualidad, donde los nuevos materiales y las singulares técnicas de aplicación que ofrecen las nuevas tecnologías están dando lugar a la aparición de nuevos lenguajes artísticos. Además, están redefiniendo completamente otros ya existentes que habían alcanzado su máximo potencial en el pasado, como es el caso de la escultura estructural. Orientada a la fase de preproducción de una pieza escultórica estructural, esta investigación aspira a lograr un equilibrio entre innovación y preservación. Busca proporcionar un método de trabajo híbrido, accesible para todos los niveles de usuarios, que incorpore el uso de nuevas tecnologías como complemento a los procedimientos de trabajo tradicionales. A través de esta combinación, se pretende obtener una serie de beneficios a nivel económico, temporal y de calidad. Sin embargo, el progreso a veces implica actualización. Esta evolución en el aspecto físico de las piezas ha despertado la necesidad de actualizar los procesos de estudio que el artista debe realizar antes de crear sus obras. Esta necesidad de actualización es precisamente lo que motiva esta investigación.
La catedral de Sevilla. Orígenes de su consideración museística y gestión patrimonial en el siglo XIX y primera mitad del siglo XX a través del Archivo Catedralicio
(2011-07-11) Galán-Pérez, Ana M.; Ruiz-de-Lacanal, María-Dolores; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas
Artes visuales y danza en la España contemporánea: transferencias, vínculos y singularidades
(2024-04-05) González Castro, Antonio María; Martínez-Montiel, Luis F.; Sáez-Pradas, Fernando; Universidad de Sevilla. Departamento de Dibujo; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas
El estudio realizado a lo largo de estos capítulos se ha centrado en conectar dentro del ámbito español las prácticas y los contextos de las artes visuales con aquellas de la danza contemporánea, fundamentalmente durante los años setenta y ochenta. Además de atender a los aspectos formales y conceptuales de ambas disciplinas, se ha llevado a cabo un análisis de la situación cultural y política en las que se desarrollaron. Para ello, hemos tratado de comprender el papel que jugaron los E.E.U.U. en el orden geopolítico mundial y el impacto cultural y artístico del modelo norteamericano en España. Las prácticas que maduraron a lo largo de los sesenta, como la performance, Fluxus, o las experimentaciones de la Judson Church Dance Theatre, plantaron la semilla para el posterior florecimiento de buena parte de las expresiones artísticas españolas. Con esto, tratamos de asentar la influencia de los estos movimientos en el conjunto de circunstancias del contexto español. Nos hemos acercado a figuras como Merce Cunningham y Anna Halprin, entre otras, cuando las creaciones se solapaban sin perder autonomía. El desarrollo de la danza contemporánea y las artes visuales de los años 70 y 80 desplegó una gran confluencia de planteamientos artísticos en los que se ha dejado constancia del papel de las mujeres, sobre todo en la transformación de los estereotipos culturales y el cuestionamiento de los modelos heredados. Esto nos ha llevado a esbozar un horizonte paralelo al de las artes visuales en aras de comprender cómo iban apareciendo nuevas disidencias a las disciplinas reguladas por el régimen. El deseo de aperturismo nos permite poner en evidencia ciertas actitudes desafiantes a partir de dinámicas grupales y estrategias colaborativas. Así, revisamos un conjunto de obras en las que el cuerpo se presentaba en estado de fragmentación y confusión. En el sincretismo con los modelos europeos, se han estudiado una serie de cambios estratégicos y metodológicos en los que una cierta amnesia respecto al pasado parecía ser responsable de la emergencia de toda una generación joven. La mirada hacia Francia, Holanda, Inglaterra y Alemania dio lugar a una situación muy específica del contexto español. Entonces, nos hemos adentrado en algunas producciones artísticas y coreográficas que formaron parte de aquellos cambios. De hecho, el contexto alemán resultó atractivo por la carga emocional y el gesto dramático, con relación a fenómenos pictóricos y aportaciones coreográficas como las de Pina Bausch. Los modelos culturales europeos sirvieron de base a políticos, programadores culturales, artistas. A modo de gran espectáculo mediático, la cultura se convertía en un elemento fundamental mientras se desarticulaban las voces críticas. Esto nos ha permitido subrayar la profesionalización de ciertos sectores artísticos y algunos apoyos institucionales. También, se han recogido ejemplos concretos de obras coreográficas que destacaron por la pluralidad de sus vocabularios. Desarrolladas fundamentalmente a partir de los ochenta, estas obras confirman la existencia de estéticas multidisciplinares. Además, se ha puesto sobre la mesa la labor catalana en el favorecimiento de la danza, la movilidad, los intercambios y las colaboraciones artísticas. Una de las líneas temáticas que predomino en el conjunto de producciones escénicas tuvo que ver con la violencia y sus distintas manifestaciones. También se han destacado numerosas obras relacionadas con los principios de la geometría, la retícula, y el rigor de la composición minimalista. Quizás, una de las mayores novedades de esta tesis tenga que ver con el análisis llevado a cabo sobre el circuito de la danza contemporánea andaluza más actual. En este caso, el estudio recoge a una serie de creadores que han trabajado estrechamente con las artes visuales en los últimos quince años, lo que evidencia ciertas particularidades respecto a la generalidad de tendencias dominantes.
El epistolario de José Gestoso Pérez (1852-1917)
(2024-03-15) Casquete de Prado Sagrera, Nuria; Palomero Páramo, Jesús Miguel; Pleguezuelo Hernández, Alfonso; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas; Universidad de Sevilla. Departamento de Historia del Arte
Las cartas han sido siempre vía de comunicación entre los hombres, produciéndose una rápida sucesión desde su florecimiento en la segunda mitad del siglo XIX hasta su actual desuso, aunque a la vez se está desarrollando el interés por su recopilación y difusión, hasta el punto de que no hay aniversario, homenaje o estudio colectivo que no cuente con su oportuno aporte epistolar. Será en ese siglo XIX cuando José Gestoso y Pérez desarrolle en Sevilla su profunda actividad sobre el patrimonio histórico-artístico. Su figura ha sido recientemente estudiada, pero a través de su legado a la Biblioteca Colombina de Sevilla podemos también conocer quiénes fueron sus corresponsales y los acontecimientos históricos, artísticos y literarios que narran esas cartas, estudio necesario para comprender una época tan brillante de la cultura sevillana en particular y de florecimiento general en España, de la cual somos sus herederos y continuadores. Merecía pues un estudio específico y detallado en el que, por primera vez, las cartas fueran las protagonistas, con un doble objetivo: a) Mostrar esa riqueza que encierra el epistolario de Gestoso. b) Aportar instrumentos de acceso y consulta a los investigadores. Hasta ahora, acercarse al epistolario ha ofrecido dificultades que, sin duda, han retrasado su conocimiento hasta el día de hoy como: - El ingente volumen de documentos que contienen, más de seis mil, a los que hay que sumar otras muchas cartas dispersas en el fondo bibliográfico y documental que donó a la biblioteca de la catedral de Sevilla. - El desconocimiento de muchos de sus remitentes, que superan el millar. Salvo el último tomo, las cartas han sido encuadernadas por orden cronológico y la carencia de índices impide una identificación y localización ágil de los corresponsales de Gestoso o de los asuntos que tratan, que son los dos objetivos que habitualmente interesan a los investigadores. - La gran mayoría de las cartas son autógrafas o, en cualquier caso, manuscritas, lo que a veces entorpece -y mucho- su lectura y, sobre todo, la identificación de las firmas. - Su encuadernación ha favorecido sin duda la conservación del epistolario, pero entorpece también bastante su consulta, sobre todo en aquellos tomos más voluminosos que rondan entre los trescientos y cuatrocientos documentos. Todo ello ha hecho que muchos investigadores no se acerquen a este epistolario o sólo tangencialmente. Para salvar tal vacío, este estudio analiza el epistolario a través de los siguientes capítulos: - I: INTRODUCCIÓN: Sintetiza la historia y valor de la correspondencia. Se cierra con una breve semblanza de Gestoso. - II: EL EPISTOLARIO DE JOSÉ GESTOSO. DESCRIPCIÓN: Analiza el valor de estas cartas desde la perspectiva de Gestoso y de la nuestra. Sigue una descripción formal de los tomos de Correspondencia: encuadernaciones, organización de las cartas y los diversos tipos documentales y soportes. - III: EL EPISTOLARIO DE JOSÉ GESTOSO. CONTENIDO: Se aborda presentando una relación general de las cartas más un índice general de corresponsales y un cuadro cronológico con los más destacados, completados con diversas líneas de estudio y materias que nos abre el epistolario, tales como una propuesta de reconstrucción de su correspondencia con la localización de las remitidas por Gestoso en otros archivos, contactos y redes sociales en las que el historiador participó o él mismo generó y otros campos de investigación. A todo ello se añade un anexo que recoge la transcripción de setecientas cartas y un apéndice fotográfico. En resumen, la lectura de estas cartas nos revela la Historia en su totalidad: vida profesional, política, cultural, social, familiar, proyectos colectivos y particulares, todo va desfilando a lo largo de cuarenta años para mostrarnos un verdadero documental escrito de la Sevilla y la España de este periodo.
Huellas de la cultura japonesa en la colección de la Real Academia de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría de Sevilla
(2023-11-27) Torralba García, Esperanza Macarena; Ruiz-de-Lacanal, María-Dolores; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas; Universidad de Sevilla. Departamento de Dibujo
El histórico hermetismo que se autoimpuso el archipiélago japonés ha fomentado una seductiva cultura fruto de la cual nacieron las primeras aproximaciones culturales a Japón. Sin embargo, inmersos en un mundo global y conectado, queda mucha materia por estudiar sobre esta cultura. Y el propio concepto de cultura, que está en constante evolución, abre un sendero a explorar. Todos los elementos, objeto de estudio y conocimiento sobre Japón, no son un fin sino un comienzo, el inicio de un viaje hacia el descubrimiento, el análisis y especialmente hacia la revisión y actualización de criterios de conservación y difusión de esta cultura milenaria, como parte de la cultura global a la que pertenece. La presente investigación trata de una aproximación a Japón, que surge por un deseo de acercarse y conocer más sobre la cultura nipona, su difusión y su conservación; por una pasión que especialmente desde el pasado siglo XX ha permitido que surjan grandes japonólogos que descubrieron en este tema un gran potencial de investigación. Se parte del propio concepto de cultura y de su manifestación a través de lo que se definirán como huellas, dentro y fuera de las fronteras territoriales del archipiélago nipón. Y, al hablar de estas, se aborda necesariamente el paso del tiempo y la temporalidad en relación con la conservación. En este caso, estas huellas culturales juegan un papel primordial para la preservación de la cultura, pues toda creación se sostiene sobre una base previa, siendo un eslabón más de esta que se mantiene viva. De este modo, este proyecto nace de la mirada del conservador-restaurador para aproximarse a la cultura japonesa. El camino se inicia en la propia actualización de términos más abstractos y generales, como son cultura e identidad, planteando respuestas a cuestiones universales, pero focalizadas en el marco social nipón. Para lograr este cometido se recurrirá a casos de estudio hallados principalmente en castellano, aglutinando las diversas perspectivas que otorgan una visión de 360º a la cultura japonesa, enmarcándola, aun en la distancia, en múltiples puntos de vista tales como la Filosofía, la Antropología, la Estética, la Técnica, la Conservación y la Restauración. Esta síntesis requiere de un exhaustivo análisis de diferentes corrientes artístico-culturales y, además, de la valoración y difusión de este tipo de creaciones, a fin de preservarlas en el prisma contemporáneo. Como caso práctico de estudio a analizar, valorar y difundir de acuerdo a los criterios conservativos, museológicos y museográficos debatidos a lo largo del proyecto, se tratará la Colección de Arte China-Japón de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría en Sevilla, donada mayoritariamente por su gran mecenas, Fernando García Gutiérrez, uno de los grandes pilares del estudio del arte y la cultura oriental en castellano. A través de ella se realiza una aproximación a la cultura japonesa, además de un estudio interpretativo y análisis crítico a su estado de conservación, a su evolución museográfica y su divulgación.
Ilustración corpórea: pensamiento estético-gráfico sobre la tridimensionalidad en la ilustración y el diseño actuales
(2023-11-11) Sánchez Morgado, Celia; Infante-del-Rosal, Fernando; Sánchez-Cortegana, José M.; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas; Universidad de Sevilla. Departamento de Estética e Historia de la Filosofía
Cuando escuchamos la palabra ilustración, inmediatamente pensamos en una imagen sobre una superficie plana. El concepto de ilustración viene ligado a la bidimensionalidad casi de forma innata, entendiéndose como ilustración, aquello de connotaciones artísticas que aparece sobre un soporte plano. Es cierto que este pensamiento viene heredado del siglo pasado cuando la ilustración se practicaba en áreas como el grabado, el dibujo y la pintura. La ilustración corpórea es un desarrollo característico del siglo XXI, que cuenta con apenas dos décadas de existencia pero que se ha manifestado de manera notable y extensa. Por ilustración corpórea podemos entender la creación llevada a cabo por ilustradores, con consciencia de ilustradores y según criterios característicos de la ilustración y la representación gráfica, que transponen su hacer bidimensional al volumen y corporeidad. En esta práctica, se da una clara comprensión de permanencia en el medio ilustrativo, porque las motivaciones y criterios son más claramente de la ilustración gráfica que de la escultura. El presente estudio sobre la ilustración corpórea ofrece el conocimiento y, por lo tanto, la posibilidad de su incorporación como nueva terminología y espacio de identificación para los ilustradores. La ilustración corpórea ofrece una nueva tipología de producción, un nuevo eslabón en la evolución de la ilustración contemporánea que no se había identificado hasta ahora.
Fotografía y reescrituras de la historia en Brasil: André Penteado, Eustáquio Neves, Rosana Paulino y Rosângela Rennó (1990-2020)
(2023-11-24) Dias-de-Oliveira, Péricles; Martínez-Montiel, Luis F.; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas
La presente tesis doctoral es el resultado de un esfuerzo para aunar diferentes áreas de las artes y las humanidades y localizar aportaciones que, a lo largo de los últimos treinta años, han señalado nuevas formas de diálogo entre pasado y presente. Al ahondar en la relación entre las prácticas artísticas contemporáneas y la escritura de la historia, indaga un interés común por el peso de las representaciones sociales, las políticas de memoria y la elaboración de pasajes históricos traumáticos. En Brasil, artistas e historiadores han concurrido a generar visiones más plurales sobre el pasado nacional y a sanar heridas olvidadas, como el periodo esclavista o distintas manifestaciones de la violencia de Estado. La fotografía, medio que tradicionalmente había sido utilizado para legitimar una identidad brasileña unificada, se ha convertido en una herramienta destacada de este proceso. A partir del análisis de un conjunto de obras de los creadores Eustáquio Neves, Rosana Paulino, Rosângela Rennó y André Penteado, entrevistas, fotografías institucionales y obras historiográficas de los siglos XIX y XX, hemos buscado entender esas reescrituras de la historia a través del arte y cómo esta producción contemporánea dialoga con un proceso social más amplio de redemocratización del país. Concluimos que en las últimas tres décadas se ha dado paso a historias menos lineales y totalizadoras, que incorporan memorias de grupo hasta entonces marginadas por las narrativas sobre el pasado, lo que ha incluido la visibilización de tensiones y violencias antes amenizadas. Al poner el foco en individuos hasta entonces subsumidos en colectividades genéricas, como esclavos, indígenas u obreros, estos artistas han tratado no solo de exponer la violencia de la que fueron víctimas sino el espacio de resistencia y acción del que disponían. A pesar de la falta de rastros dejados por estos actores, se ha buscado vivificar/humanizar la documentación archivística/fotográfica existente y crear narrativas que señalan sus aportaciones a la formación nacional. Finalmente, al presentar al público (en instalaciones, libros de artista o series fotográficas) narrativas abiertas y con temáticas actuales (la lucha contra el racismo, el machismo o la violencia policial), identificamos un deseo de redención de la opresión histórica y de proposición de un consenso social sobre nuevas bases.
Patrimonio educativo en Sanlúcar de Barrameda. Planteamientos didácticos para la conservación y difusión del patrimonio del IES San Lucas. El museo escolar IES San Lucas
(2023-09-28) Guerra Castellano, Nuria; Ruiz-de-Lacanal, María-Dolores; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas
El valor educativo y didáctico del Patrimonio está siendo, en las últimas décadas, objeto de estudio en congresos, seminarios y publicaciones. Acercarnos a las numerosas posibilidades que nos brinda el patrimonio de una ciudad facilita la comprensión de los valores sociales, económicos e ideológicos de ésta. Además, el patrimonio cercano puede actuar como un puente que nos comunica con concepto históricos generales. Sin embargo, la realidad de la presencia de éste en el currículo de la enseñanza es escaso e incluso inexistente en algunos niveles, considerándose la interpretación del bien patrimonial como parte exclusiva del mundo de la investigación histórica. Es cierto que, poco a poco, se está promoviendo el acceso a lugares de interés histórico-artístico (centros de interpretación, exposiciones e itinerarios históricos) pero es difícil imbricar estas acciones dentro de una programación de aula. La necesidad de movilidad del grupo, los horarios y el coste dificultan, en muchos casos, este tipo de actividades. Además, tampoco existen unos indicadores diseñados que muestren los resultados reales del aprendizaje. En las últimas décadas, disponemos de medios digitales (herramientas al servicio del docente y recursos en la red) que pueden paliar las dificultades anteriores si bien, resultan insuficientes para establecer un verdadero vínculo entre el alumnado y el entorno. Por otra parte, las características psicológicas de la adolescencia, su breve bagaje vivencial y la inmediatez y rapidez de los estímulos que las nuevas tecnologías les ofrecen representan un hándicap en la vinculación emocional con el pasado. Es necesario pues, plantear un entorno en el que se asienten los cimientos de la puesta en valor del patrimonio y es el aula el lugar ideal para el comienzo de esta empresa. Nos damos cuenta que esa vinculación debe partir de su entorno más inmediato, esto es, la propia escuela. Nuestro interés pone entonces su mirada en una serie de elementos, tradicionalmente poco considerados, como son los bienes propios de la escuela. Iniciar a los alumnos en el aprecio por los materiales escolares y por los espacios que los albergan es empezar a tejer el hilo conductor que, de forma inductiva, los conecte con su historia local y ésta, a su vez, les haga desembocar en los conceptos generales que, a veces de forma tan impersonal, les ofrecen sus libros de texto. Pensamos, además, que la consideración de estos bienes, una vez articulados y contextualizados pueden sumarse a la historia local. En una ciudad como Sanlúcar de Barrameda, de gran importancia histórica y patrimonial, creemos necesario contribuir a narrar la historia de su educación, contado desde un punto de vista novedoso, esto es, contado desde el objeto. Forma parte de esta investigación, por tanto, un proyecto que consiste en investigar, rescatar, documentar y dotar de significación una serie de bienes, materiales e inmateriales, pertenecientes al entorno de la escuela y convertir su conjunto en un instrumento de aprendizaje y que se materializará en un museo escolar. A través de una metodología basada en la combinación de planteamientos, reales y digitales que permitirían una programación viable, flexible e integradora, queremos crear una herramienta que sea un puente entre el pasado y el presente y sirva a nuestro alumnado para entender, de una forma plástica, el pasado inmediato y desarrollar su capacidad crítica y sus emociones, que sea el punto de partida de una alfabetización museológica en edades tempranas y, como no, a la comprensión del concepto general de Patrimonio. La presente tesis acota el campo de investigación en Sanlúcar de Barrameda y plantea, en una doble vertiente, la vinculación del Patrimonio Local y la Escuela. Por una parte, se traza una panorámica de las acciones que, de forma histórica hasta el presente, se establecen desde el aula para el conocimiento y valoración de la riqueza histórica y artística de la ciudad. En segundo lugar, nos centramos en la consideración de aquellos elementos muebles e inmuebles pertenecientes exclusivamente al ámbito de la educación con la intención de contribuir, de una forma sistematizada, a la historia sanluqueña. Por último, planteamos la creación de un museo escolar localizado físicamente en el IES San Lucas y con proyección en la Red tomando como ejemplos otros museos escolares españoles y con la intención de convertirlo en una herramienta pedagógica al servicio de la comunidad educativa.
La práctica curatorial en España. Definición de criterios discursivos desde 1970
(2023-02-17) Arregui Montero, María; Martínez-Montiel, Luis F. ; Méndez Rodríguez, Luis Rafael; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas; Universidad de Sevilla. Departamento de Historia del Arte
La práctica curatorial en España en la actualidad se encuentra al mismo nivel y consideración que en otros contextos internacionales, no obstante, su aparición, desarrollo y consolidación se ha configurado años más tarde que en el resto de Europa o Norteamérica. El hecho de haber vivido bajo un gobierno dictatorial, sumió al país en un aislamiento que afectó a todos los aspectos del estado, así como al de toda la población y a su cotidianidad, algo que culturalmente también ser vio reflejado. Aunque la aparición del comisariado de arte contemporáneo en España se consolidara años después de la implantación de la democracia, cuando emergieron gran cantidad de museos, centros de arte, ferias de arte internacionales, nuevos espacios galerísticos, etc., Se destaca el hecho de existen en la historia del comisariado en España precedentes a tener en cuenta, como la labor de Josep Renau durante II República Española al frente de la Dirección General de Bellas Artes, donde desarrolló una maniobra clave en la protección y salvaguarda patrimonial por la que hoy se conservan obras fundamentales de la historia del arte español y universal, lo que hace señalar su figura como curador en el sentido más próximo al de cuidar y curar. Así como durante el franquismo se destaca la figura de Luis González Robles, quien acometería labores de comisariado desde su posición de alto funcionario del régimen franquista. Sus proyectos pusieron en valor en arte informalista realizado por artistas españoles, rompiendo así el aislamiento cultural del país relativo al arte contemporáneo. Pero a través del análisis de las primeras revistas especializadas en arte contemporáneo que aparecen publicadas en España, y sobre todo, a través de los testimonios ofrecidos de primera mano de algunos de los comisarios que comenzaron a desarrollar esta profesión en un país que no contaba con precedentes, se pretende poner en pie el paisaje curatorial en España desde los años setenta hasta la consolidación del comisario actual, en los años noventa.
El atavío de las dolorosas de candelero y su registro patrimonial
(2022-06-20) Carrasco Murillo, Francisco José; Cornejo-Vega, Francisco J.; Arjonilla-Álvarez, María; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas; Universidad de Sevilla. Departamento de Pintura
El atavío de las imágenes marianas dolorosas de Sevilla es una manifestación patrimonial a la que la comunidad científica no le ha prestado la atención que merece. Se trata de una seña de identidad dentro de los ritos religiosos y cultuales que forman parte de la Semana Santa de Sevilla, que además se mantiene viva, en continua evolución, acompañando los cambios de vida de la sociedad, los estilos y las modas. A partir del estudio histórico, iconográfico, artístico y del colectivo de personas implicado en su ejecución, se evidencia la necesidad de crear un plan de protección específico que asegure la pervivencia de los valores materiales e inmateriales inherentes a esta tradición cultural en la que las representaciones escultóricas de la Virgen María son revestidas con prendas textiles para presentarlas a sus fieles. Esta tesis plantea la acotación y descripción de este rito, haciendo acopio de distintas parcelas de conocimiento para conformar un corpus que servirá de punto de partida para la consideración de la vestimenta de las vírgenes dolorosas sevillanas como patrimonio inmaterial, más allá del reconocimiento de los bienes materiales implicados. Para ello, es indispensable el trabajo conjunto con el grupo de personas encargadas de realizar esta activad de manera que se impliquen en su correcta conservación preventiva y puesta en valor del patrimonio que custodian. Con este fin, esta investigación incluye el diseño de una herramienta que permita el registro de la propia actividad y que refleje el conocimiento adquirido de su estudio, de manera que se presentaran los datos más relevantes de manera clara y concisa.
Caligrafía árabe, modernidad y hurufiyya
(2022-02-03) Pérez Castro, Marta; Martínez-Montiel, Luis F.; Roldán Castro, Fátima; Puerta Vílchez, José Miguel; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas
La importancia a nivel internacional de la caligrafía árabe en el contexto patrimonial, artístico, histórico y social andaluz e internacional es incuestionable, conformando una disciplina específica dentro de la expresión artística. El presente trabajo en forma de Tesis Doctoral recoge un estudio sobre la práctica, tradición y actualidad de la caligrafía árabe contemporánea y su proyección bajo la influencia de la modernidad, la hurufiyya, conformando el objeto central del estudio. Para ello se ha analizado su origen, contexto y forma de ser, presentando un recorrido histórico y las circunstancias que inciden en su desarrollo. Con su estudio se pretende ahondar en su conocimiento y mostrar esta disciplina como un referente más para artistas, artesanos y diseñadores.
El patrimonio artístico de los poblados de colonización en la cuenca del Guadalquivir. (1939-1973)
(2009-12-21) Martínez-Salazar, Guillermo; Fuentes del Olmo, Miguel; Pleguezuelo Hernández, Alfonso; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas
La investigación se ha centrado en el Patrimonio artístico que se generó para la decoración de los nuevos templos construidos en los poblados del Instituto Nacional de Colonización en la cuenca del Guadalquivir. Destacar también la puesta en valor de dicho patrimonio como un gran referente del arte español de vanguardia de la mitad del siglo XX, sin olvidar a sus autores que contamos con una treintena de artistas de gran presitgio, los cuales comenzaron sus carreras profesionales colaborando estrechamente con los arquitectos del INC. En definitiva con esta investigación ofrecemos a los investigadoresla oportunidad de extraer información precisa en referencia al arte sacro pre y post concilicar en una franja cronológica concreta 1939-1973.
Las colecciones científicas de los institutos históricos de Andalucía. Investigación y análisis de su museografía y los procesos de conservación y restauración
(2020-10-01) Medina Pérez, Francisco José; Ruiz-de-Lacanal, María-Dolores; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plást.
Historia de las cofradías penitenciales de Huelva y de su imaginería sacra antes de la Guerra Civil española.
(2019-11-18) Calvo-Lázaro, Rocío; Sánchez González, Antonio; Franco-Romero, Alberto-Germán; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas
Esta tesis doctoral analiza el contexto histórico de la ciudad de Huelva desde el siglo XVI hasta 1936. Se han estudiado y clasificado por capítulos todas las hermandades penitenciales que existieron en Huelva hasta 1936, cuando estalló la Guerra Civil española. Se ha realizado un estudio de 10 cofradías penitenciales, una de tipo gremial y un capítulo reservado al estudio de imágenes devocionales sin adscripción a hermandad. Algunas de las hermandades que se mencionan en esta investigación se extinguieron antes o justo después de la guerra. Todas a excepción de una, perdieron a sus imágenes titulares así como prácticamente el total su patrimonio artístico. Se ha llevado a cabo en cada uno de los capítulos un estudio pormenorizado de cada una de las obras, incluyendo autoría, posibles orígenes, cronología, ubicación dentro de los templos describiéndose las capillas y retablos donde estuvieron situadas, hasta su destrucción, el 21 de julio de 1936. Con el fin de poder catalogar dichas imágenes, se ha añadido en los casos necesarios, un análisis comparativo con imágenes de referencia de autorías ciertas. Con ello se ha pretendido averiguar quiénes fueron sus posibles artífices mediante rasgos estilísticos comunes. Se ha incluido además, un anexo fotográfico en cada capítulo. Un capítulo se ha reservado para analizar las restauraciones realizadas a principios del siglo XX, llevadas a cabo en algunas imágenes titulares de las diferentes corporaciones. Un último capítulo analiza los pormenores de la Guerra Civil en Huelva y las destrucciones efectuadas a cada uno de los templos donde las hermandades guardaban a sus imágenes y parte de su patrimonio. Se ha incluido al final de la tesis un apéndice documental donde se pueden localizar numerosos documentos por orden cronológico, los cuales avalen esta investigación.
El mausoleo original de la vizcondesa de Termens en Cabra (Córdoba). Memoria en mármol y bronce de una época
(1997) Guzmán Moral, Salvador; Miñarro López, Juan Manuel; Universidad de Sevilla. Departamento de Escultura e Historia de las Artes Plásticas

Examinar

Envíos recientes