Tesis (Dibujo)

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Experiencias multisensoriales y arte contemporáneo: Una aproximación a las principales metodologías empleadas en el contexto español durante la década 2010-2020
(2025-11-28) Mosquera Lozano, Marco Daniel; Blanco-Arroyo, María-Antonia; Molina-González, José Luis; Dibujo; Pintura
La presente investigación explora los antecedentes históricos de la formulación conceptual de la experiencia multisensorial en el arte. El uso de soportes artísticos se basa en el contexto mítico del productor artístico. Utilizando como método investigativo las genealogías de Michel Foucault y la historia conceptual de Reinhart Koselleck, establecemos las estructuras dogmáticas que dan lugar a la formulación del mito de la obra de arte total. Se exploran las raíces históricas de dicha construcción mítica en la conceptualización gnóstica de la katharsis alquímica. Establecemos una relación ideológica entre el fundamento gnóstico del humanismo medieval en los retornos al ideal auto-divinizante del ser humano observados en doctrinas como: Kunstreligion (religión del arte), teoría de los afectos, prometeísmo, simbolismo, orfismo, música visual, entre otras. Dentro de este contexto se formulará la doctrina del Gesamtkunstwerk (obra de arte total) como construcción mítica. De igual forma, realizamos un análisis del estado de la investigación actual sobre la experiencia multisensorial en el arte. Exploramos las trayectorias discursivas de determinadas propuestas artísticas que implementan metodologías multisensoriales en el contexto artístico español durante los años 2010-2020. Se propone una conclusión práctica de la exploración histórico-filosófica y análisis metodológico de la experiencia multisensorial mediante propuestas multisensoriales dentro de la producción artística del autor.
El valor del objeto artístico para las creativas andaluzas. Un estudio de género bajo la mirada de una selección de artistas plásticas y visuales en los inicios del siglo XXI en Andalucía
(2025-06-27) Caraballo Caro, Montserrat; Arregui-Pradas, Rocío; Dibujo
La presente tesis se adentra en el estudio de la figura de la mujer artista en la contemporaneidad, con un enfoque particular en la producción artística femenina en el contexto andaluz. Su propósito es explorar cómo las mujeres artistas han redefinido la producción, el valor y la percepción del arte en la actualidad, abriendo un espacio crítico dentro del debate más amplio sobre la relación entre arte y género. Este trabajo no solo busca revisar la historia y evolución de las mujeres en el arte, sino también situar las prácticas artísticas de las mujeres en un marco de contextualización social y económica, y visibilidad en la escena cultural andaluza. A lo largo de la investigación, se procederá a resignificar conceptos fundamentales como el de valor artístico y mujer artista, para comprender el impacto que estas definiciones tienen en el desarrollo y la valorización del objeto artístico contemporáneo. Para ello, se adoptará una metodología cualitativa basada en el análisis del discurso, entrevistas y observación participante, lo cual permitirá captar de manera más rica las voces de las creadoras contemporáneas y sus reflexiones sobre su práctica artística. Este estudio toma como punto de partida la pregunta sobre las motivaciones que impulsan a las mujeres artistas a crear y cómo esas motivaciones pueden estar marcadas por factores sociales, económicos y culturales diferenciados por género. Además, se abordará la evolución de la representación femenina en el arte andaluz, haciendo énfasis en los momentos relevantes de la última década, y se completará con un análisis profundo de las experiencias y visiones de diez artistas contemporáneas de la región. La tesis se articula a través de varios capítulos en los que se discuten el papel transformador del arte y las mujeres dentro de un contexto social en constante cambio. Las entrevistas a artistas, en su mayoría con trayectorias consolidadas, se presentan no solo como un testimonio individual de la vida y obra de cada una, sino también como un análisis comparativo que permite extraer patrones y tendencias dentro del panorama artístico andaluz. A través de este enfoque, se pretende dar voz a las artistas, destacar la singularidad de sus perspectivas y contribuir al reconocimiento y valorización de su trabajo en un sector históricamente dominado por una narrativa masculina. Este trabajo no solo es pertinente para el ámbito académico, sino que también responde a la necesidad de revalorizar la obra y el impacto de las mujeres en el arte, un campo donde aún queda mucho por hacer en cuanto a igualdad de oportunidades, reconocimiento y representación.
La arquitectura como influencia y fuente de inspiración en la pintura. Relaciones transversales entre pintura y arquitectura. Análisis de un proceso creativo propio
(2024-12-13) Álvarez Gil, Norberto; Gómez de la Torre, Juan José; Dibujo
Esta tesis doctoral explora en profundidad las intersecciones entre la pintura y la arquitectura, desde una perspectiva teórico-práctica que surge de mi propia trayectoria artística de más de veinticinco años. A lo largo de este tiempo, he desarrollado un cuerpo de obra que refleja un continuo aprendizaje y evolución, marcado por influencias diversas, cambios temáticos y técnicas, así como por un diálogo constante con otras disciplinas artísticas y experiencias personales. Este recorrido ha forjado mi identidad como artista, delineando un sentido creativo que define mi trayectoria y mi relación con la arquitectura como tema central. En esta tesis, abordo las conexiones entre estas dos disciplinas desde diversos prismas: la arquitectura como soporte de la pintura, la pintura que representa arquitectura, los arquitectos que se expresan mediante la pintura, y los pintores que encuentran en la arquitectura una fuente de inspiración sin necesariamente representarla de manera literal. Este enfoque multidimensional me permite examinar cómo la arquitectura no es solo una estructura física, sino también una expresión cultural, una declaración estética y una experiencia emocional que influye profundamente en la pintura. El objetivo principal de esta investigación es analizar y reflexionar sobre mi obra, poniéndola en diálogo con la de otros artistas que han utilizado la arquitectura como inspiración o temática en sus trabajos. A través de este análisis, busco identificar similitudes y diferencias en las fuentes de inspiración, los discursos y sus posibles causas, para finalmente extraer conclusiones sobre la interrelación entre pintura y arquitectura. En resumen, esta tesis analiza mi propia producción artística y las influencias que la han moldeado, y además, también ofrece una reflexión profunda sobre el proceso creativo y las relaciones entre pintura y arquitectura. La singularidad de esta investigación reside en su enfoque personal, basado en la riqueza de experiencias acumuladas a lo largo de años de trabajo y exploración artística. Este estudio ofrece una visión sobre cómo la arquitectura y la pintura se cruzan y se complementan mutuamente, tanto en el ámbito del arte contemporáneo como en mi propia práctica artística.
Artes visuales y danza en la España contemporánea: transferencias, vínculos y singularidades
(2024-04-05) González Castro, Antonio María; Martínez-Montiel, Luis F.; Sáez-Pradas, Fernando; Dibujo; Escultura e Historia de las Artes Plásticas
El estudio realizado a lo largo de estos capítulos se ha centrado en conectar dentro del ámbito español las prácticas y los contextos de las artes visuales con aquellas de la danza contemporánea, fundamentalmente durante los años setenta y ochenta. Además de atender a los aspectos formales y conceptuales de ambas disciplinas, se ha llevado a cabo un análisis de la situación cultural y política en las que se desarrollaron. Para ello, hemos tratado de comprender el papel que jugaron los E.E.U.U. en el orden geopolítico mundial y el impacto cultural y artístico del modelo norteamericano en España. Las prácticas que maduraron a lo largo de los sesenta, como la performance, Fluxus, o las experimentaciones de la Judson Church Dance Theatre, plantaron la semilla para el posterior florecimiento de buena parte de las expresiones artísticas españolas. Con esto, tratamos de asentar la influencia de los estos movimientos en el conjunto de circunstancias del contexto español. Nos hemos acercado a figuras como Merce Cunningham y Anna Halprin, entre otras, cuando las creaciones se solapaban sin perder autonomía. El desarrollo de la danza contemporánea y las artes visuales de los años 70 y 80 desplegó una gran confluencia de planteamientos artísticos en los que se ha dejado constancia del papel de las mujeres, sobre todo en la transformación de los estereotipos culturales y el cuestionamiento de los modelos heredados. Esto nos ha llevado a esbozar un horizonte paralelo al de las artes visuales en aras de comprender cómo iban apareciendo nuevas disidencias a las disciplinas reguladas por el régimen. El deseo de aperturismo nos permite poner en evidencia ciertas actitudes desafiantes a partir de dinámicas grupales y estrategias colaborativas. Así, revisamos un conjunto de obras en las que el cuerpo se presentaba en estado de fragmentación y confusión. En el sincretismo con los modelos europeos, se han estudiado una serie de cambios estratégicos y metodológicos en los que una cierta amnesia respecto al pasado parecía ser responsable de la emergencia de toda una generación joven. La mirada hacia Francia, Holanda, Inglaterra y Alemania dio lugar a una situación muy específica del contexto español. Entonces, nos hemos adentrado en algunas producciones artísticas y coreográficas que formaron parte de aquellos cambios. De hecho, el contexto alemán resultó atractivo por la carga emocional y el gesto dramático, con relación a fenómenos pictóricos y aportaciones coreográficas como las de Pina Bausch. Los modelos culturales europeos sirvieron de base a políticos, programadores culturales, artistas. A modo de gran espectáculo mediático, la cultura se convertía en un elemento fundamental mientras se desarticulaban las voces críticas. Esto nos ha permitido subrayar la profesionalización de ciertos sectores artísticos y algunos apoyos institucionales. También, se han recogido ejemplos concretos de obras coreográficas que destacaron por la pluralidad de sus vocabularios. Desarrolladas fundamentalmente a partir de los ochenta, estas obras confirman la existencia de estéticas multidisciplinares. Además, se ha puesto sobre la mesa la labor catalana en el favorecimiento de la danza, la movilidad, los intercambios y las colaboraciones artísticas. Una de las líneas temáticas que predomino en el conjunto de producciones escénicas tuvo que ver con la violencia y sus distintas manifestaciones. También se han destacado numerosas obras relacionadas con los principios de la geometría, la retícula, y el rigor de la composición minimalista. Quizás, una de las mayores novedades de esta tesis tenga que ver con el análisis llevado a cabo sobre el circuito de la danza contemporánea andaluza más actual. En este caso, el estudio recoge a una serie de creadores que han trabajado estrechamente con las artes visuales en los últimos quince años, lo que evidencia ciertas particularidades respecto a la generalidad de tendencias dominantes.
Reinterpretando la alteridad: hacia una comprensión decolonial del arte árabe contemporáneo emancipada de prejuicios y expectativas exotizantes
(2024-04-04) Chouati, Yassine; Muñoz del Amo, Áurea; Dibujo
Esta tesis se basa en la premisa de que la Globalización, a pesar de su aparente objetivo de promover la diversidad cultural, trae consigo una serie de prejuicios heredados de la época colonial, que se proyectan sobre los artistas no occidentales y sus prácticas. Así, en lugar de enriquecer la diversidad de códigos estéticos, transforma las obras de los y las artistas no occidentales en un instrumento de estudio antropológico centrado en la diferencia. La investigación, centrada en la inclusión de la creación artística árabe contemporánea en el mundo del arte y las expectativas que se proyectan sobre ella, analiza las razones implícitas de la falta de consideración de la individualidad de las experiencias artísticas árabes y la insistencia en la perspectiva etnográfica de grupo, que concibe al Otro como un concepto abstracto e indefinido. También se exploran las circunstancias en las que, aún hoy, las obras de arte producidas por artistas árabes se continúan considerando como meros documentos históricos, testimonios destinados a proporcionar al espectador occidental información objetiva sobre lo que ocurre fuera de su espacio de control. Se trata de un "Oriente" imaginario cuya civilización se ha concebido históricamente como hostil a Occidente y a sus valores. Nuestra tesis pretende así desafiar la coyuntura tradicional en la que el artista árabe suele considerarse un testigo, obligado a contar historias sobre el Mundo Árabe y a producir obras que respondan a las expectativas orientalistas, en gran medida fomentadas por los medios de comunicación. Más allá de la mera problematización, nuestro principal objetivo es formular soluciones imaginativas e innovadoras. Así desde el ámbito y la visión de las Bellas Artes, pretendemos explorar otras formas de contar la Historia del Arte y desarrollar fórmulas emancipadas del esencialismo eurocéntrico que tengan en cuenta la relación entre cultura y poder y que den voz a artistas cuyas trayectorias y obras sólo se han analizado y representado superficialmente. En última instancia, subrayamos la importancia de la construcción de una conciencia colectiva decolonial que permita lograr una comprensión más profunda y significativa de la alteridad. En esta línea, también sopesamos que es crucial insistir en la necesidad de superar la lógica de la subalternidad, esa forma de violencia conceptual que concibe al Otro como un ente pasivo que hay que describir unilateralmente. De hecho, nuestra propuesta de innovación a este respecto consiste en intervenir en las corrientes habituales de conocimiento que se desarrollan sobre las prácticas artísticas no occidentales destacando la voz de algunos artistas árabes, especialmente de la diáspora. Para ello, hemos mantenido conversaciones directas con artistas de renombre como Yto Barrada, Younés Rahmoun, Youssef Nabil, Zoulikha Boubdellah, Hicham Benohoud y Manal Al Dowayan. El objetivo es implicar activamente a estos artistas en la investigación, como participantes esenciales en la construcción del conocimiento, subvirtiendo la actitud eurocéntrica y ensimismada, prestando especial atención al proceso de escucha y a la singularidad de cada experiencia artística. La investigación culmina en una producción artística personal que reflexiona sobre la experiencia del exilio como forma de interpretar y leer el mundo. Se trata, por ende, de una búsqueda personal que pretende contribuir a dibujar una salida de la situación de subalternidad en la que, creemos, aún se encuentra el arte árabe. Nuestro propósito es procurar un acercamiento abierto a las obras que presentamos, sin nociones preconcebidas, teniendo presente que, aunque las obras de arte producidas por artistas no occidentales pueden estar influidas por la historia, la política y los problemas de la sociedad en la que se originan, el germen de la creatividad siempre reside en la subjetividad.
We are supposed: sobre la construcción de la identidad femenina y su reflejo en el arte durante la globalización
(2024-03-22) Fernández Moncada, Celeste; Blanco-Barrera, Ramón; Mancera-Martínez, Manuel-Fernando; Dibujo
La identidad personal es algo que comienza dentro del ámbito social, es decir, que pertenece al grupo mucho antes de pertenecernos a nosotros. Ocurre del mismo modo para el género, pues se nos categoriza y se nos conduce por la senda de una idea preestablecida. Teniendo en cuenta estos hechos, es de vital importancia que nos preguntemos los factores por los que está rigiendo la identidad social en la Era Contemporánea. Dentro de este contexto de globalización, la manera en la que nos presentamos ante el mundo parte de una base externa y niega la voz propia más que nunca, ocurriendo en un sentido tanto físico, como personal y conductual. Este proyecto de Tesis Doctoral propone un estudio de estos hechos para la revisión de las imágenes creadas y compartidas dentro de las plataformas, con la intención de ir más allá de lo formal, reducido por muchos a una simple y frívola apariencia, para exponer lo qué está ocurriendo verdaderamente. El análisis de estos conceptos será necesario para lograr una mayor profundidad en la comprensión de la práctica artística que nace a raíz de los cambios consecuentes de la liberación femenina y de las alteraciones identitarias relativas a nuestro contexto, y, asimismo, para analizar la creación contemporánea desde diferentes disciplinas, centrando el enfoque en la fotografía, pero sin descartar otras como la pintura, la videocreación o la performance.
Tiempo débil. Experiencias temporales y perceptivas en la era de la inmediatez tecnológica. Una aproximación desde las artes visuales
(2024-03-22) Jiménez-Donaire-Martínez, Salvador; García-Ranedo, Mar; Muñoz del Amo, Áurea; Dibujo
En los últimos años, el mundo parece descubrirse en formato «pantallazo»: una imagen súbita y epidérmica del entorno construye realidades y moldea la vida en red. Hoy, el tándem constituido por la velocidad electrónica y el exceso propio del medio virtual arrastra saturación y atomiza el yunque temporal de nuestros días. Así, las derivas de nuestro mundo crecientemente digitalizado conducen a una malsana relación con el tiempo, nuestros propios biorritmos y la gestión del yo conectado. En el orden de cosas descrito, este texto aboga por el abrazo de la lentitud y la reconexión con una temporalidad «otra» que nos devuelva espacios en blanco para pensar con distancia crítica y lapsos de inactividad donde las cosas encuentren margen de despliegue y revelado. Proponemos que el arte, con sus lenguajes, poéticas y procesos a menudo despaciosos, es una plataforma idónea para reevaluar la concepción del tiempo y su experiencia en la contemporaneidad. Nociones como contemplación o análisis observacional, tan ligadas a las manifestaciones artísticas visuales, con frecuencia exigentes de una mirada concienzuda y dilatada, podrían resultar herramientas útiles para sobrescribir las narrativas de la prisa y restaurar el régimen atencional de las personas. Tres casos de estudio –Wolfgang Laib, Agnes Martin y Ettore Spalletti–, tres artistas relevantes en el panorama internacional de la segunda mitad del siglo XX, servirán como referencia para hablar de esa experiencia estético-temporal restauradora a la que aludimos. Estas contraimágenes o muestras de arte lento, que radican en la idea de duración y proponen una absorción óptica elongada, ofrecen resistencia ante la pulsión por aquel ver apresurado que hoy se impone como único modelo perceptivo. Tal acercamiento a la producción artística resuena con los trabajos presentados como aportaciones creativas personales en el último bloque de este texto. En dicho apartado reflexionaremos sobre nuestra investigación basada en la praxis para cristalizar una de las conclusiones esenciales de nuestro estudio: la elección de lentitud –y no solo como estrategia creativa– no significa incapacidad o torpeza; muy contrariamente, implica una voluntad de no precipitar el tiempo, de no dejarse atropellar por él.
Huellas de la cultura japonesa en la colección de la Real Academia de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría de Sevilla
(2023-11-27) Torralba García, Esperanza Macarena; Ruiz-de-Lacanal, María-Dolores; Escultura e Historia de las Artes Plásticas; Dibujo
El histórico hermetismo que se autoimpuso el archipiélago japonés ha fomentado una seductiva cultura fruto de la cual nacieron las primeras aproximaciones culturales a Japón. Sin embargo, inmersos en un mundo global y conectado, queda mucha materia por estudiar sobre esta cultura. Y el propio concepto de cultura, que está en constante evolución, abre un sendero a explorar. Todos los elementos, objeto de estudio y conocimiento sobre Japón, no son un fin sino un comienzo, el inicio de un viaje hacia el descubrimiento, el análisis y especialmente hacia la revisión y actualización de criterios de conservación y difusión de esta cultura milenaria, como parte de la cultura global a la que pertenece. La presente investigación trata de una aproximación a Japón, que surge por un deseo de acercarse y conocer más sobre la cultura nipona, su difusión y su conservación; por una pasión que especialmente desde el pasado siglo XX ha permitido que surjan grandes japonólogos que descubrieron en este tema un gran potencial de investigación. Se parte del propio concepto de cultura y de su manifestación a través de lo que se definirán como huellas, dentro y fuera de las fronteras territoriales del archipiélago nipón. Y, al hablar de estas, se aborda necesariamente el paso del tiempo y la temporalidad en relación con la conservación. En este caso, estas huellas culturales juegan un papel primordial para la preservación de la cultura, pues toda creación se sostiene sobre una base previa, siendo un eslabón más de esta que se mantiene viva. De este modo, este proyecto nace de la mirada del conservador-restaurador para aproximarse a la cultura japonesa. El camino se inicia en la propia actualización de términos más abstractos y generales, como son cultura e identidad, planteando respuestas a cuestiones universales, pero focalizadas en el marco social nipón. Para lograr este cometido se recurrirá a casos de estudio hallados principalmente en castellano, aglutinando las diversas perspectivas que otorgan una visión de 360º a la cultura japonesa, enmarcándola, aun en la distancia, en múltiples puntos de vista tales como la Filosofía, la Antropología, la Estética, la Técnica, la Conservación y la Restauración. Esta síntesis requiere de un exhaustivo análisis de diferentes corrientes artístico-culturales y, además, de la valoración y difusión de este tipo de creaciones, a fin de preservarlas en el prisma contemporáneo. Como caso práctico de estudio a analizar, valorar y difundir de acuerdo a los criterios conservativos, museológicos y museográficos debatidos a lo largo del proyecto, se tratará la Colección de Arte China-Japón de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría en Sevilla, donada mayoritariamente por su gran mecenas, Fernando García Gutiérrez, uno de los grandes pilares del estudio del arte y la cultura oriental en castellano. A través de ella se realiza una aproximación a la cultura japonesa, además de un estudio interpretativo y análisis crítico a su estado de conservación, a su evolución museográfica y su divulgación.
Cromatología: estudio y análisis del comportamiento del color y la forma por medio de la técnica de visualización 3d chromadepth
(2023-11-10) González Díaz, José Ángel; Gómez de la Torre, Juan José; Dibujo
Esta Tesis Doctoral plantea una profundización en la técnica estereoscópica Chromadepth® (visión tridimensional de los colores), a modo de compendio de uso, mostrando sus secretos, virtudes y defectos. En ella se analiza científica y sistemáticamente cómo se comportan los distintos colores y las formas al ser visualizados con unas gafas específicas, diseñadas para tal fin. Tras un breve recorrido histórico por los distintos sistemas de visualización estereoscópica, se analiza en profundidad la patente del método, su origen y situación actual, incluyendo un estudio técnico y estructural de las lentes. La parte central del presente documento está enfocada en la comparación de los principales modelos de color y en la ordenación tridimensional que ocupan, utilizando entre otros, los métodos de la observación científica y el de ensayo y error. De un modo específico, se incluye también un análisis de comportamiento de los distintos tonos aplicados a superficies volumétricas y a espacios estructurales. De ello se advierte cómo la técnica produce lo que puede llamarse redundancia visual tridimensional, es decir, visión estereoscópica tridimensional sobre superficie tridimensional, de forma que se observan (según se utilicen o no las gafas) dos esculturas distintas, una física y otra virtual. Por otro lado, se han visualizado y examinado con las lentes, los efectos tridimensionales producidos por las características que aportan las principales técnicas artísticas tradicionales y digitales. Como cierre documental se desglosa el proyecto “Cromatología”, en señal de producción artística unida al sistema Chromadepth. En él se aplican los estudios teóricos y experimentales de esta técnica que se han analizado a lo largo de años de investigación.
Expansión del dibujo a través del hilo y la creación textil en los siglos XX-XXI
(2023-07-14) Pérez Martínez, Marta; Vadillo, Marisa; Dibujo
Esta tesis doctoral se presenta dividida en tres capítulos: el primero en torno a algunas artistas del continente europeo que usaron lo textil y lo gráfico en las vanguardias, desde el constructivismo ruso a la Bauhaus; el segundo aborda una serie de piezas significativas en el proceso por el que el grafismo pasó del textil en pared (bordados y tapices) a la instalación textil, mientras que el último analiza algunas claves del dibujo expandido –ya sin elementos textiles–, emancipado como técnica en el espacio, especialmente a través de elementos gráficos no textiles y de la silueta. En general, presenta una investigación teórica que indaga en la producción artística vinculada a la incursión de la disciplina del dibujo en el ámbito de lo que Rosalind Krauss denominó en 1979 como ‘campo expandido’. Partimos de la hipótesis de que el arte textil, especialmente a través del poder gráfico del hilo y la fibra, ha tenido un papel fundamental en esa evolución del arte gráfico y el dibujo en los últimos cincuenta años, por lo que situamos precisamente esas obras de mujeres creadoras como referentes de sujetos activos fundamentales en esa expansión en el espacio. Se ha llevado a cabo un análisis de las obras de algunas artistas principales que han trabajado en el campo de las disciplinas del arte textil con componente gráfico para culminar en la instalación gráfica artística y el dibujo expandido. Por tanto, esta investigación propone una aproximación al dibujo contemporáneo, técnica que tradicionalmente habría desempeñado (al igual que la mujer y la artesanía) un papel secundario en el desarrollo de la historia del arte. Relegados ambos aspectos en la historia por su vinculación al rol de sujeto pasivo y a la categoría de arte menor –la mujer como creadora y el textil como artesanía– ponemos de manifiesto, sin embargo, cómo el arte gráfico ha experimentado un resurgir artístico desde la segunda mitad del siglo pasado, que le ha llevado a generar una serie de connotaciones y posibilidades a nivel conceptual, creativo, estético o simbólico que han invadido parte del discurso artístico contemporáneo transformándose en dibujo expandido. La tesis doctoral plantea la figura de la mujer artista, por su vínculo con lo textil, como imprescindible en esta mutación gráfica hacia el espacio tridimensional.
Inclusión de nuevos materiales en el grabado. La personalidad e identidad: argumento como pretexto de la investigación
(2023-07-20) Ballesteros Rodriguez, Rafael Enrique; Mancera-Martínez, Manuel-Fernando; Rio Rodriguez, Rita del; Dibujo
Esta tesis recoge el trayecto de un viaje iniciático en el que experimentaremos con materiales poliméricos con la expectativa de incrementar la inclusión de nuevos materiales en el grabado, así como para fomentar su uso en la realización de matrices con un nivel de relieve que permitan realizar estampas con una alta volumetría. Para englobar las pruebas resultantes realizadas durante la investigación dentro de un mismo discurso artístico, usaremos los conceptos de la personalidad e identidad como hilo conductor a través de una íntima reflexión sobre la gestación alegórica de la personalidad y la identidad del ser humano.
Un acercamiento a la evolución del diseño gráfico en Sevilla, desde los dos carteles conmemorativos de las Exposiciones: Iberoamericana de 1929 y Exposición Universal de 1992
(2022-06-27) Molina Moral, Juan Carlos; Bilbao-Peña, Daniel; Peña-Cáceres, Inmaculada; Dibujo
Esta tesis doctoral tiene entre sus principales objetivos: analizar la situación del diseño gráfico en Sevilla a través de los carteles oficiales responsables de difundir las dos exposiciones más significativas celebradas en la ciudad de Sevilla durante el siglo XX. El primero de ellos, el cartel realizado por el pintor Gustavo Bacarisas para la Exposición Iberoamericana de 1929 y el segundo, el cartel para la Exposición Universal de 1992 del artista e ilustrador Guy Billout. A través de un análisis gráfico de los mismos, hemos ido forjando una idea aproximada del impacto publicitario que tuvieron y la potencia iconográfica que generaron como imagen de sendas exposiciones. Dentro de este marco, no podemos pasar por alto una de las contribuciones más notables de este trabajo de investigación: el proceso de encargo creativo de ambos afiches, parte esencial para acrecentar nuestro conocimiento, creando así nuevas aportaciones documentales en torno a la temática investigada. Hasta ahora se habían conocido trabajos de investigación relacionados con estos carteles desde una perspectiva historicista enfocada en el costumbrismo y en el folclore andaluz, pero no desde la mirada analítica del punto de vista gráfico, propiamente del diseño y de los recursos y procedimientos constitutivos de los carteles objetos de nuestra investigación. Con este trabajo, nos centramos en un análisis visual y gráfico, abordado desde conceptos como: historia, autores más relevantes, estilos gráficos y publicitarios, tipos de composición gráfica, variedades tipográficas, color, sistemas de impresión, entre otros. Todos ellos son cuestiones esenciales que han ayudado a construir esta tesis.
Investigación de las propiedades plásticas de los morteros tixotrópicos
(2021-07-19) Morillo Guerrero, Juan Jesús; Bautista Durán, Antonio; González Munuera, José Luis; Dibujo
En esta tesis, definimos y estudiamos las propiedades plásticas de los morteros tixotrópicos de modelado, sirviéndonos de la experiencia adquirida en trabajos reales realizados por el autor, como por muestras realizadas para tal fin, todo ello contrastado con la bibliografía sobre morteros, materiales y procedimientos de construcción para llevarlos al campo de la creación artística, especialmente en la escultura modelada directamente con mortero tixotrópico. A lo largo de este trabajo hemos abordado los recursos expresivos que ofrece el mortero a lo largo de sus tres estados de dureza, fresco, fraguado y endurecido, lo que nos lleva a asumir dentro del mismo trabajo procedimientos escultóricos tanto de adición como de sustracción. Desde este enfoque creativo expresivo, componemos otro enfoque procedimental en el que se definen distintos sistemas de trabajo con el mortero tixotrópico de modelado y sus materiales complementarios.
La pincelada en el árbol: pintura y experiencia a partir del pensamiento estético de John Dewey
(2021-06-25) Ceballos Pina, Oscar; Bilbao-Peña, Daniel; Dibujo
Ornamentación y decoración en la Exposición Ibero-Americana
(1992-09) Márquez Ortiz, Manuel; García Gómez, Francisco; Dibujo
La interpretación plástica de la cabeza del hombre, su representación en el dibujo y su aplicación en gráficos 3D
(2005-04-22) Guerreiro Castanho, Jorge Manuel; Gil Arévalo, Jaime; Dibujo
La tesis se desarrolla en los siguientes 6 capítulos: 1,- La evolución de la cabeza del hombre y sus bases anatómicas. 2,- Las teorías de representación e interpretación morfológica de la cabeza y el rostro. 3,- Las interacciones del arte con los estudios de fisionomía. 4,- La cabeza y su morfología por regiones del mundo. 5,- La dinámica reconstructiva de la cabeza y del rostro en los grupos humanos. 6,- La síntesis plástica representativa de cada grupo humano en un total de 525 páginas. Con base en el estudio de la evolución de la morfología y de la estabilización anatómica de la cabeza humana. Se parte hacia un trabajo de campo en que se representa la diversidad plástica en relación con la dispersión geográfica y mezcla de los grupos humanos. En una búsqueda y profundización teóricas se analiza la interpretación del rostro que se ha experimentado a lo largo de la historia de la civilización occidental. Identificando la actualidad del dibujo en el contexto contemporáneo se defiende su acción directa y en retentiva y su enlace con el modelado en gráficos 3D por ordenador como lenguaje de interpretación y de representación.
Raíces simbólicas y microcosmos en el dibujo de proporciones humanas del tratadista español Diego de Sagredo
(2008-09) García Fuentes, José María; Bautista Durán, Antonio; Dibujo
En esta tesis se plantea la hipótesis de que la proporción del ancho humano basada en 1/6 de la estatura, propuesta por el bachiller Diego de Sagredo en su tratado medidas del romano (1526), así como su prescripción de la distancia del ombligo a los riñones, fue descrita décadas antes por León Battista Alberti en su derecha edificatoria. Además se propone que aquella proporción del ancho poseía una doble raíz simbólica consistente en la asociación del cuerpo humano con la columna dórica y con el Arca de Noé. Del mismo modo, se plantea la hipótesis de que el concepto hombre-microcosmos es la clave que subyace y da sentido a esas raíces simbólicas.
Koloman Moser y la obra de arte total: su diseño en superficie ejemplos más representativos de su trabajo en interiorismo. Obra artística personal
(2020-09-22) Ruiz Montes, Claudia; Climent-Camacho, Gema; Dibujo
El artista modernista vienés Koloman Moser (1868-1918) lleva a culminación el concepto de obra de arte total en sus trabajos de interiorismo realizados por los Talleres Vieneses. La renovación estética total de estos interiores, en los que el diseño en superficie ocupa un lugar principal, ocurre en un período de fuertes cambios sociales, donde el elevado esteticismo secesionista es reflejo del decadente período fin de siècle. La “demencia esteticista” de Koloman Moser se muestra en sus diseños de interior de viviendas - los cuales están guiados por un mismo planteamiento estético -, donde la síntesis artística promovida por la creación de la obra de arte total hace posible el ideal modernista de unión arte-vida. El diseño en superficie de Koloman Moser es partícipe de la unidad estética de los diseños de interior de este artista, siendo estos un claro ejemplo del auge de las artes decorativas en el siglo XIX.
Factores y elementos de cambio social en las prácticas artísticas digitales: claves de integración artística con el entorno cotidiano actual
(2020-07-28) Blanco-Barrera, Ramón; Spinola-Elias, Yolanda; Dibujo
Estructurada en base al trinomio Arte-Tecnología-Sociedad, nuestra investigación afronta cuestiones sobre cómo el arte actual, o las prácticas artísticas digitales, como formas de conocimiento, pueden contribuir en la mejora de las problemáticas sociales de cualquier tipo (desigualdad, insostenibilidad, injusticia, diferencias culturales, religiosas, políticas o económicas, entre otras) de una manera eficaz. Para ello, planteamos una nueva aproximación desde el sistema artístico a través de la elaboración de una serie de claves integradoras con nuestro entorno cotidiano y a partir del contexto actual de la Cultura Digital. Entre los hallazgos más relevantes, y mediante su puesta en práctica a través de la experimentación de obra artística propia, concluimos destacando que la divulgación y aplicación de estas claves comporta el fenómeno de un arte más democrático en cuanto a la participación de las personas y, por ende, contribuyen positivamente de una forma más real y sostenible al cambio social de las comunidades donde han sido aplicadas. No obstante, una validación más amplia de nuestro estudio residiría en su aplicabilidad a gran escala. Aunque hemos partido de un método hipotético-deductivo en la confección de la hipótesis que motivó el nacimiento y desarrollo de esta investigación, hemos priorizado mayoritariamente y de forma general la utilización, entre otros, del método lógico-inductivo, basándonos en todo el material teórico y audiovisual recopilado. Éste, en su mayoría, ha partido de fuentes seleccionadas en bases de datos de especial relevancia a partir de libros y artículos científicos de interés para nuestro objeto de estudio: principalmente de autores como Barbancho, Bauman, Bourriaud, Castells, Martín Prada, Palomero Páramo, Thornton, Laddaga o Helguera, entre otros; declaraciones y entrevistas realizadas a expertos: como Ai, Delgado o Valcárcel, entre otros; o estancias de investigación en centros especializados del extranjero: en instituciones de Argelia, Australia, Brasil, Canadá, Estados Unidos y Palestina. Pero también, a partir de la ejecución de estudios de campo mediante la producción de obra propia en Argelia, Brasil y Canadá; de estudios de caso sobre Güell, Hirst y link.art; o a partir del análisis de obras de artistas y colectivos: como Burguener, Carrasco, Kalash, Martens, Sierra, Sollfrank, Takala o Boa Mistura, entre otros.
La agenda social en el Arte Contemporáneo Mexicano: teoría, crítica, análisis y estructura del campo
(2020-07-09) Carvajal García, Aida; Hidalgo Toledo, Jorge Alberto; García Fernández, María Pilar; Dibujo
El Arte Contemporáneo Mexicano fue incorporando en las últimas décadas temáticas y conceptos sociales en sus obras, derivando en la conformación de una agenda socio-artística que logra proyectar, a través del trabajo de un grupo de artistas -no siempre dentro del circuito institucionalizado-, las principales problemáticas que afectan al país. La presente investigación indaga, desde la sociología del arte, la estructuración del campo artístico mexicano contemporáneo, la interacción de la dimensión social con la artística, el rol y naturaleza de los actores, consumidores, medios, patrocinadores y promotores, identificando la presencia de múltiples circuitos que luchan entre sí para imponer sus agendas, agencias y tendencias. Se analizaron cuanti y cualitativamente, mediante el uso de instrumentos documentales, encuestas, entrevistas, cuestionarios y observación participante: los modos de producción, la efectividad, rentabilidad, beneficio, legitimidad y autenticidad del arte social; el arte como mercancía de las industrias culturales y creativas; el rol de los medios de comunicación en la imposición de las agendas, y el arte como agente de transformación social. De igual forma, se localizó, profundizó y analizó el trabajo de 30 artistas contemporáneos mexicanos del siglo XXI que, a lo largo de su producción, han incorporado las agendas sociales en sus obras. Los resultados obtenidos muestran: la presencia de la agenda socio-artística como una nueva iconografía que se está gestando y empieza a ser reconocida en territorios glocales; la presencia y legitimación de agentes no artísticos (colectivos, activistas, población civil, comunicadores, fundaciones, etc.) produciendo arte social; la evidencia de que una parte del arte social nace, crece y se consolida fuera del circuito institucionalizado, y el reconocimiento del arte social como necesario en la sociedad contemporánea

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