Artículos (Dibujo)
URI permanente para esta colecciónhttps://hdl.handle.net/11441/10693
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Artículo Between the Ghostly and the Real. The Cinema of Apichatpong Weerasethakul: Reverie, Repression and Collective Memory(Hipatia Press, 2025) Salas-Acosta, Luz-Marina; DibujoEl presente artículo estudia la hipótesis de la funcionalidad del cine como ciencia diacrónica que opera para activar las distintas metáforas visuales. Apichatpong Weerasethakul propone en su filmografía personajes inefables y enigmáticos que pueblan su universo. Los fantasmas, los vivos, la magia, la superstición, la ensoñación y lo fantástico se mezcla con lo real, y con historias recuperadas de narraciones que se contaron oralmente durante siglos, configurando así una obra tan sugerente como reivindicativa. Examinaremos temas recurrentes como son la memoria, lo fantasmal, la frontera, lo permeable, el mito o la pérdida y la recuperación. Para ello, analizamos aquí una selección de sus películas (1990-2021), auténticos baluartes contra los códigos establecidos. A partir de la investigación de sus estrategias y metodologías concluimos la importancia de su cine, especialmente por navegar entre los límites de la memoria histórica y la colectiva en los procesos de decantación social impuestos.Artículo En conversación con Younes Rahmoun: poética, espiritualidad e introspección(Universidad Complutense de Madrid, 2025) Chouati, Yassine; Muñoz del Amo, Áurea; DibujoLa presente entrevista es resultado de un proyecto de investigación doctoral recientemente defendido con calificación Cum Laude (Mención Internacional) y financiado por el VI Plan Propio de la Universidad de Sevilla. En ella conversan el investigador Yassine Chouati y la profesora Áurea Muñoz del Amo con el artista Younes Rahmoun, con el objetivo de profundizar la práctica artística de este destacado artista visual nacido en Tetuán en 1975, donde actualmente reside. Además de su producción artística, Rahmoun compagina también su labor como profesor asociado en el Instituto Nacional de Bellas Artes de Tetuán (INBA). Su obra, repleta de simbolismo y referencias a su herencia cultural, ha sido expuesta en destacados eventos internacionales como la Bienal de Venecia, la Bienal 13 de Sharjah, el Museo Nacional Reina Sofía o el MACBA de Barcelona.Artículo Materialidad y textualidad en el arte digital: hacia una revisión posestructuralista, performativa y poshumanista(Universitat Oberta de Catalunya, 2026) Herrera González, Isabel; Dibujo; HUM1025: Creación, Arte Gráfico, Estética y GéneroEsta investigación examina las condiciones materiales de la textualidad digital con el objetivo general de problematizar los marcos interpretativos desde los que tradicionalmente se ha entendido la producción del conocimiento en arte. Para situar este giro ontoepistemológico, la metodología cualitativa y teórica traza una genealogía conceptual a partir de los aportes de Barthes, Butler y Barad. Desde una perspectiva posestructuralista, performativa y poshumanista, se analizan críticamente las implicaciones ontológicas, epistemológicas y éticas que conlleva atribuir un carácter inmaterial al arte digital. Esta lente permite focalizar la lógica binaria cartesiana que subyace en los modelos productivos clásicos, y verificar su capacidad limitada para aprehender la ontología performativa, relacional y emergente de la textualidad electrónica. La praxis analítica propuesta, alineada implícitamente con la crítica feminista, cuestiona las metodologías objetivas y categóricas –que reproducen distribuciones asimétricas de visibilidad, corporalidad y agencia– para promover una visión holística del arte y del mundo como un todo complejo, interdependiente y dinámico. Como resultado, se constata la necesidad metodológica de revisar los límites disciplinares e incorporar la hibridación como parte esencial de los procesos epistemológicos. En contextos de investigación, pedagogía y arte, esta aproximación proyecta un horizonte crítico para el desarrollo de prácticas más responsables, democráticas e inclusivas en el futuro.Artículo Dibujo emergente, corporeizado y enactivo: una aproximación al pensamiento gráfico contemporáneo(Universitat de Vic, 2024) Herrera González, Isabel; Dibujo; HUM1025: Creación, Arte Gráfico, Estética y GéneroCon el propósito de contextualizar los discursos emergentes del dibujo contemporáneo, esta investigación, financiada por el Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades (España), pretende acometer una aproximación a aquellos hitos y enfoques que, desde el siglo XX, acusan las limitaciones del paradigma tradicional. En concreto, la concepción objetual del dibujo acabado, explorando una visión actualizada del dibujo en emergencia, corporeizado y enactivo. Al focalizar la atención en la dimensión cinética y performativa del proceso creativo durante el acto de dibujar, se discute la pertinencia de indagar en el dibujo como método de investigación empírica en torno a la conexión de procesos abstractos con la corporalidad. En este sentido, se arguye que una metodología analítico-comparativa transdisciplinaria, que abarque ámbitos como el pensamiento gráfico y las ciencias cognitivas, facilita la aproximación a un concepto de textualidad fundamentado en nuestra época, caracterizada por la pluralidad, el devenir y la circulación. Así, el objetivo principal que se plantea como horizonte es poner el foco en el desarrollo de un espacio común de significado desde el que sea posible abordar el ‘disegno’ en el marco emergente de las posthumanidades, sugiriendo nuevas vías de discusión e invitando a reflexionar sobre las relaciones potenciales entre paradigmas digitales y analógicos de creación gráfica hoy.Artículo Ausencias, presencias y despedidas. La idea del fantasma en la película Volver de Pedro Almodóvar y su relación con otros espectros(Universidad de Málaga, 2026) Sáez-Pradas, Fernando; Dibujo; HUM948: Imagenan. Arts & Media. Imagen Artística de AndalucíaEn esta investigación analizamos la representación del concepto de “fantasma” en la película Volver de Pedro Almodóvar a partir de un enfoque interdisciplinario, que establece conexiones formales y conceptuales con el arte contemporáneo, la literatura, la filosofía y otras obras cinematográficas de referencia. Se examina la evolución de la figura espectral desde sus manifestaciones tradicionales hasta sus reinterpretaciones en el ámbito artístico y cultural contemporáneo. Asimismo, el análisis abarca cuestiones fundamentales como la muerte, el duelo, el rito, la memoria y la identidad. Destacamos el papel central de la simetría y la duplicidad en la estructura narrativa de Volver, donde todo tiende a repetirse y a retornar. En la investigación recurrimos a establecer relaciones entre escultores como Do-ho Suh o Rachel Whiteread, así como con otras películas, como Hierro 3, Petite Maman o No mires a los ojos. Enfatizamos la importancia de la experiencia sensorial en la construcción de lo fantasmal dentro del filme y para ello analizamos cómo entienden el duelo Derrida, Fisher, Despret o Butler entre otros.Artículo Hacia una evaluación profunda de la práctica artística de Zoulikha Bouabdellah. Conversación y escucha activa(2025) Chouati, Yassine; Dibujo; HUM822: Gráfica y Creación DigitalEn este debate, Zoulikha Bouabdellah analiza el impacto de su infancia en su posterior desarrollo como artista visual. Relata su transición a Francia en la década de 1990, cuando era adolescente, un proceso que le enfrentó a su identidad y a los estereotipos orientalistas de los que era objeto debido a sus orígenes. La artista subraya que sus vivencias culturales y personales, moldeadas por la experiencia del desarraigo, han informado su práctica artística desde el principio. Le han animado a la introspección y, en consecuencia, a crear obras abiertas a múltiples interpretaciones. Estas obras emplean diversos medios, como el dibujo, el videoarte y el collage. Su obra puede verse como una afirmación de libertad, una forma de expresarse a través del cuerpo en movimiento. También sirve para resaltar su identidad como mujer, artista y sujeto político.Artículo “So much I want to say”. La dimensión introspectiva de la práctica artística de Mona Hatoum(2025) Chouati, Yassine; Dibujo; HUM822: Gráfica y Creación DigitalEste artículo examina la trayectoria artística de la artista británico-palestina Mona Hatoum, con especial atención al lugar que ocupa su experiencia del exilio en la configuración de su práctica artística. En su obra, Hatoum transforma su experien-cia personal en un discurso visual que desafía las nociones convencionales del arte contemporáneo. Su evolución estilística la ha conducido hacia un enfoque minima-lista que hace hincapié en la melancolía del exilio y la fragilidad de la existencia. La metodología del artículo comprende un examen exhaustivo de la obra de la artista a lo largo de varias décadas, acompañado de un análisis crítico de la literatura exis-tente sobre su práctica. Este enfoque dilucida los polifacéticos significados inhe-rentes a su obra e investiga cómo sus experiencias personales, moldeadas por la introspección, sirven como fuentes de creatividad y resonancia emocional. Hatoum es conocida por su capacidad para transmitir experiencias complejas mediante un lenguaje visual evocador que invita a reflexionar sobre la propia identidad y el senti-do de pertenencia.Artículo Entre el mito y lo fake: Conexiones entre la cerámica ática y la inteligencia artificial en la generación de imágenes bélicas(University of Illinois Research Park, 2025) Mendoza Malpartida, Miguel; Bernal, María del Mar; Dibujo; HUM822: Gráfica y Creación DigitalEste artículo analiza la conexión estética y conceptual entre las representaciones bélicas propias de la cerámica ática de la antigua Grecia y las imágenes —de aspecto fotográfico— generadas con inteligencia artificial. En ambos casos, la producción se realiza sin referente real, sino que es fruto de un enunciado narrativo, ya sea el relato clásico o un prompt de texto, que diluye la realidad y la ficción. Manejamos la imagen bélica para reflexionar sobre la vinculación entre el mito y lo fake, además de confrontar los desafíos éticos y sociales asociados con la manipulación en la representación visual contemporánea. Asimismo, se consideran las influencias estéticas de la representación mitológica clásica en la producción gráfica actual. Nuestro objetivo es demostrar la relación existente entre esa imagen tradicional y la actual a través de procesos creativos fundados en la hibridación de ambas categorías, en los que la imagen bélica ha sido protagonista desde el origen de la gráfica.Artículo La educación social en el urbanismo artivista de Santiago Cirugeda(Universidade de Lisboa, 2014) Spinola-Elias, Yolanda; Blanco-Barrera, Ramón; Dibujo; HUM1045: Laboratorio Arte, Ciencia, Tecnología y Sociedad / Art, Science, Technology and Society Lab; HUM337: Arte Plástico, Secuencial, Experimental de Estampación y Nuevas Tecnologías. Teoría y PraxisEl presente trabajo reflexiona, a través del análisis conceptual, metodológico y formal, aquellas obras del artista-arquitecto sevillano Santiago Cirugeda (1971) dirigidas a promover, desde una intención socializa-dora y participativa, la investigación, la formación y la intervención artística mediante la conformación de espacios arquitectónicos alternativos. Con sus propuestas, abiertas a la participación ciudadana y al reciclaje de materiales, ejemplifica el avance hacia una ecología social que logra aunar, entre otros, a colectivos de la geografía española interesa-dos, como él, por los lugares autogestionados en los que se produzcan el intercambio educativo y el fomento del pensamiento político y social propios de la cultura del procomún.Artículo William Stanley Hayter: Piensa en leche y miel(Grabado y Edición S.L., 2017) Bernal, María del Mar; Dibujo; HUM822: Gráfica y Creación DigitalUna de las principales revoluciones técnicas del grabado ha sido la impresión a color. Desde Hercules Seghers o William Blake los artistas se han concentrado en encontrar medios técnicos para aumentar el cromatismo de la estampa. Uno de ellos, el legendario Stanley William Hayter (Hackney, Londres 1901-París, 1988) desarrolló un método basado en la viscosidad de la tinta que tuvo como resultado la impresión policroma a partir de una sola plancha. Este signo de distinción respecto a la sobreimpresión de varias matrices fue el motivo por lo que al propio creador no le gustaba llamarlo “método de la viscosidad”, como es conocido, sino método de impresión a color simultánea.Artículo J.F. Gautier D'Agoty. El color de las tripas(Grabado y Edición S.L., 2017) Bernal, María del Mar; Dibujo; HUM822: Gráfica y Creación DigitalEl pintor, grabador, impresor lustrador, emprendedor y padre de cinco hijos, entre tantas otras ocupaciones, Jaques Fabien Gautier de Agoty nació en Marsella en 1716 y murió en París poco antes de cumplir sesenta y nueve años. Su obra va ligada a la ilustración anatómica y a una aventura comercial controvertida con la que defendió su autoría en la invención de la impresión a color. Para ello realizó a la manera negra una serie de llamativas imágenes que atraparon la atención de muchos científicos y artistas.Artículo El papel japonés para grabado(Grabado y Edición S.L., 2016) Bernal, María del Mar; Dibujo; HUM822: Gráfica y Creación DigitalEl papel japonés, también llamado washi, fue declarado en 2014 Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Esta distinción atiende al proceso de fabricación artesanal marcado por un profundo respeto a la naturaleza: su sofisticación, belleza y permanencia en el tiempo responden a la atención con que lo elaboran los maestros papeleros desde hace siglos. Es un signo identitario de la cultura japonesa que establece un vínculo entre lo sagrado y lo profano, la filosofía, la espiritualidad, el ritmo natural y el arte. No se trata solo de un producto, como tampoco es, solo, un soporte para la estampa. Es un contenedor, y un generador, de belleza que responde al grabado con una excelente solvencia técnica. Frente a los papeles occidentales, muy encolados y de elevado peso, el papel japonés atrae por su delicadeza y tonalidad suave, su capacidad para interactuar con la luz y su exotismo. A ello se une una sorprendente absorbencia y la posibilidad de estampar a mano.Artículo Grabado y performance. Una desobjetualización de la gráfica(Grabado y Edición S.L., 2014) Bernal, María del Mar; Dibujo; HUM822: Gráfica y Creación DigitalDesde los años 60 del siglo XX hasta nuestros días la performance ha sido uno de los campos más controvertidos de la práctica artística. Muchos artistas desbordan todo tipo de convenciones utilizando las técnicas del grabado más tradicional para darles una aplicación performativa y, aunque encuentra muchos detractores, se trata de una realidad contemporánea que cada vez alcanza mayor repercusión plástica y filosófica. La estampa performativa es una reacción de profundo rechazo al mercantilismo que supone la gráfica hiperestetizada sustituyéndola por algo más comprometido y conceptual. En inglés Performance quiere decir actuación, representación. Este término fue difundido en los años 50 por John Cage para referirse a un tipo de acción artística que reunía varios medios expresivos dispares: teatro, danza, fotos, poesía, música… Tuvo su precedente en las veladas dadaístas del Cabaret Voltaire de Zurich y alcanzó su auge en los años 60 y 70 del siglo pasado. En los años 80 pasó a ser aceptada como forma de arte crítico y subversivo que combatía contra la falsa moral y los sistemas políticos extremos. Hoy en día, y dada su larga vida, incluso ya se habla de post-performance.Artículo Gráfica callejera y post-grafiti: El papel del muro(Grabado y Edición S.L., 2019) Bernal, María del Mar; Dibujo; HUM822: Gráfica y Creación DigitalHokusay pintó grandes retratos de Daruma (Bodhidharma), el patriarca del budismo zen. Lo hizo en la calle, sobre el suelo, en el festival de Edo (Tokio) en 1804 y en Nagoya en 1817, este último ocupando una superficie de 240 metros cuadrados. Que un grabador realizase este mural al aire libre es un comienzo para visibilizar las conexiones que existen entre la gráfica y el arte urbano. Lo impreso, como medio de comunicación, ha tenido siempre importancia en los espacios públicos de todas las épocas. Superada esta finalidad comunicativa como característica exclusiva, el arte contemporáneo encuentra en la estampa y en su capacidad de reproducción un medio potente de expresión y denuncia.Artículo Northern exposure: Baltic amber and silver beads from the Iron Age reuse of the Bela Vista tholos (Sintra, Portugal)(Editorial CSIC, 2025) Salas-Acosta, Luz-Marina; Dibujo; HUM1085: Quantitative Archaeology and Archaeological ScienceThis study re-examines the personal adornment assemblage from the Bela Vista tholos (Sintra, Portugal), highlighting the rediscovery of a long-lost amber bead and clarifying the chronology and provenance of associated artifacts. The bead has been identified as Baltic amber through the use of FTIR spectroscopy. This material is known to be exceptionally rare in Iberian contexts prior to the Bronze Age. Complementary analyses (MACLAS and VORTEX) link the greenstone beads to variscite and muscovite, with the variscite sourced from the Aliste mining region in northwestern Iberia. These materials suggest an initial Copper Age use of the monument, related to long-distance exchange networks centered on variscite. However, the presence of a Baltic amber bead and an associated silver coil, in addition to Iron Age ceramics and metal ornaments, provides substantial evidence that supports the hypothesis of a high-status Iron Age burial (7th-5th centuries BCE) within the reused megalith. Notably, no Iberian site has yet been found that securely associates Baltic amber with either Bell Beaker pottery or variscite, reinforcing the separate chronological contexts of these materials. This research underscores the significance of applying modern analytical methods to legacy collections, thereby challenging previous assumptions and demonstrating how prehistoric monuments were reutilized for ritual purposes over millennia.Artículo Máquinas de mirar creadoras de imágenes. El artista y el artefacto: una sinestesia(Asociación Acción Social por el Arte, 2024) Salas-Acosta, Luz-Marina; Dibujo; HUM1085: Quantitative Archaeology and Archaeological ScienceEn la actualidad ya no es posible fiarse de lo que los ojos ven. Esto sucede hoy de la misma manera en que sucedió en el pasado. Si buscamos el momento en el que las imágenes convirtieron el mundo en una indeterminación entre la realidad y la apariencia, lo podríamos encontrar en el siglo XVII. El presente trabajo analiza la vinculación existente en la construcción de imágenes producidas por las máquinas de mirar entre esa época de exaltación óptica y la actual. La sospecha de ese nexo soterrado la ratifican un buen número de artistas contemporáneos al hacer uso de aquellas fórmulas utilizadas en el pasado. Estos artistas han revelado que cada momento histórico potenció un medio científico; cada uno de ellos, a su vez, nuevos artificios. Derivados de estos se sumaron a los espejismos ya existentes y, de esta manera, se potenció la ilusión de la dicotomía óptica-verdad.Artículo Entre lo fantasmal y lo real. El cine de Apichatpong Weerasethakul: Ensoñación, represión y memoria colectiva(Hipatia Press, 2025) Salas-Acosta, Luz-Marina; Dibujo; HUM1085: Quantitative Archaeology and Archaeological ScienceEl presente artículo estudia la hipótesis de la funcionalidad del cine como ciencia diacrónica que opera para activar las distintas metáforas visuales. Apichatpong Weerasethakul propone en su filmografía personajes inefables y enigmáticos que pueblan su universo. Los fantasmas, los vivos, la magia, la superstición, la ensoñación y lo fantástico se mezcla con lo real, y con historias recuperadas de narraciones que se contaron oralmente durante siglos, configurando así una obra tan sugerente como reivindicativa. Examinaremos temas recurrentes como son la memoria, lo fantasmal, la frontera, lo permeable, el mito o la pérdida y la recuperación. Para ello, analizamos aquí una selección de sus películas (1990-2021), auténticos baluartes contra los códigos establecidos. A partir de la investigación de sus estrategias y metodologías concluimos la importancia de su cine, especialmente por navegar entre los límites de la memoria histórica y la colectiva en los procesos de decantación social impuestos.Artículo Northern exposure: Baltic amber and silver beads from the Iron Age reuse of the Bela Vista tholos (Sintra, Portugal)(Editorial CSIC, 2025) Garrido Cordero, José Ángel ; Loureiro, Rita; Martínez Blanes, José María; Sousa, Ana C.; Zambrana Vega, María Dolores; Salas-Acosta, Luz-Marina; Sánchez Gómez, Daniel; Odriozola Lloret, Carlos Patricio; Pintura; Dibujo; Química Inorgánica; Prehistoria y Arqueología; HUM1085: Quantitative Archaeology and Archaeological ScienceThis study re-examines the personal adornment assemblage from the Bela Vista tholos (Sintra, Portugal), highlighting the rediscovery of a long-lost amber bead and clarifying the chronology and provenance of associated artifacts. The bead has been identified as Baltic amber through the use of FTIR spectroscopy. This material is known to be exceptionally rare in Iberian contexts prior to the Bronze Age. Complementary analyses (MACLAS and VORTEX) link the greenstone beads to variscite and muscovite, with the variscite sourced from the Aliste mining region in northwestern Iberia. These materials suggest an initial Copper Age use of the monument, related to long-distance exchange networks centered on variscite. However, the presence of a Baltic amber bead and an associated silver coil, in addition to Iron Age ceramics and metal ornaments, provides substantial evidence that supports the hypothesis of a high-status Iron Age burial (7th-5th centuries BCE) within the reused megalith. Notably, no Iberian site has yet been found that securely associates Baltic amber with either Bell Beaker pottery or variscite, reinforcing the separate chronological contexts of these materials. This research underscores the significance of applying modern analytical methods to legacy collections, thereby challenging previous assumptions and demonstrating how prehistoric monuments were reutilized for ritual purposes over millennia.
Artículo Fragments of the self: a dialogue with Hicham Benohoud on body, identity, power and resistance through photography(Taylor & Francis, 2025) Chouati, Yassine; Dibujo; HUM822: Gráfica y Creación DigitalThis study presents a dialogue with Moroccan artist Hicham Benohoud, exploring his career, his creative process, and the central role of photography in his work. His artistic practice is defined by visual experimentation and a critical engagement with the body as a site of exploration and resistance. In his compositions, the body is depicted as fragmented, constrained or subjected to tension, thus exposing the underlying power structures that shape everyday experience. This bodily dimension is closely linked to a form of introspection that Benohoud brings to life through his own body or that of his models, who act as alter egos. Overall, the process is an integral part of the artist's visual discourse, as identity and memory emerge as fundamental components.Artículo Una imagen en blanco. Percepción y tiempo en la fotografía de Hiroshi Sugimoto(Hipatia Editorial, 2023) Jiménez-Donaire-Martínez, Salvador; Dibujo; HUM822: Gráfica y Creación DigitalLa obra de Hiroshi Sugimoto abarca más de cuatro décadas y el artista japonés se ha convertido en uno de los creadores más aclamados de su generación. Su práctica artística se cimenta sobre nociones como el tiempo, la memoria o la transitoriedad. En este texto examinamos las series Theaters y Seascapes, dos de los proyectos más celebrados del artista, en los que Sugimoto ofrece un registro visual de la duración. Con un enfoque conceptual y a través de una metodología paciente, basada en largos tiempos de exposición y un meticuloso proceso de revelado analógico, Sugimoto levanta cuestiones radicales en torno al binomio tiempo-fotografía. En el presente texto analizaremos cómo las estrategias de ralentización y dilación propuestas por Sugimoto alteran nuestra percepción y experiencia temporal. Para ello, revisaremos los vínculos de su trabajo con teorías sobre el Slow Art, categoría artística propuesta por Arden Reed, y nos acercaremos, de la mano de Juan Martín Prada, a la obra de Sugimoto en clave de contraimagen para demostrar que su fotografía nos brinda, destilada, una oportunidad para la contemplación y el descanso perceptivo: una imagen-tiempo.